28/12/11

Un chimpancé llamado Chita

El refugio de animales The Suncoast Primate Sanctuary de Palm Harbor (Florida, EEUU) informó que el chimpancé Chita, que coprotagonizó en los años 30 y 40 doce películas de Tarzán, murió a causa de una insuficiencia renal.

El fallecimiento se produjo el pasado 24 de diciembre, según informa esa fundación en su página web, donde ha puesto a disposición de los fans un apartado para dedicarle un último adiós.

Jiggs, nombre original del chimpancé nacido en Liberia el 9 de abril de 1932, en realidad era macho, aunque se lo conocía como la "mona Chita".

Chita participó, entre otras, en las películas “Tarzán the Ape Man” (Tarzán de los Monos) en 1932 y “Tarzán and his Mate” (Tarzán y su compañera) en 1934, filmes clásicos que relatan las aventuras de un hombre criado en la selva, protagonizados por Johnny Weissmuller y Maureen O'Sullivan.

El acompañante de Tarzán, que tuvo cerca de una decena de chimpancés que lo sustituyeron en rodajes de secuencias de la saga, recibió en 2006 un homenaje y el premio Calabuch por sus méritos artísticos en el Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola.

El chimpancé, que llegó al refugio de animales en 1960, amaba pintar con sus dedos y mirar football, y se calmaba escuchando música cristiana, dijo al diario Tampa Tribune Debbie Cobb, director del Santuary Suncoast Primate.

Ron Priest, un voluntario que trabaja en el refugio dijo al Tribune que Chita se destacaba porque podía pararse con la espalda erguida, como un humano, además de tener otros talentos.

Chita no sólo debe su fama a las películas, sino a que figura en el Libro Guiness de los Récords como el simio más longevo del mundo.

26/12/11

Edith Head, la mujer que vistió a Hollywood

En Hollywood, su nombre es legendario. Edith Head, jefa de vestuario de los estudios Paramount y luego de Universal, creó el vestuario de 1131 films a lo largo de su carrera, que se extendió de 1927 hasta su muerte, en 1981, pocos días antes de su 84º cumpleaños.

Todas las más grandes estrellas lucieron sus creaciones de Bette Davis y Gloria Swanson a Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn y su favorita, Grace Kelly, para quien diseñó el vestido de novia con el que se convirtió en princesa. Head recibió 35 nominaciones al Oscar y lo ganó ocho veces, un record jamás igualado.


Desde los años diez los incipientes estudios comienzan a contratar profesionales especializados para los distintos departamentos artísticos, entre ellos, el de vestuario. Al surgir el “star system” una década después, las desde entonces denominadas “estrellas” se convierten en el sello de glamour y sofisticación que el público demandaba. Todo ello requería, por supuesto, que los departamentos en los que trabajaba un inmenso despliegue de profesionales, diseñadores, maquilladores, fotógrafos...tomaran mayor cuidado en potenciar y mimar el “look” de sus estrellas.

Howard Greer, jefe del departamento de arte de la Paramount, contrata en 1923 a Head para dibujar los bocetos del vestuario propuesto para cada nuevo proyecto del estudio. Con ellos trabajaba un diseñador al que Head admiraba profundamente, Travis Banton. Este se haría cargo del departamento cuando Greer deja el estudio en 1927 y tomará a Edith Head como asistente. Banton, de gran talento, diseñaría algunos de los vestidos más celebrados de Carole Lombard o Marlene Dietrich de quién potencia para la pantalla su famoso “estilo masculino”.


Head comienza creando el vestuario de los actores secundarios en las películas de pequeño presupuesto del estudio, pero su magnífico trabajo y dedicación le hicieron tomar mayor responsabilidad y en poco tiempo alguna de las grandes estrellas de los años veinte como Clara Bow o Mae West vestían sus diseños en la pantalla.

Uno de los primeros éxitos de Head fueron sus creaciones para Dorothy Lamour en The Jungle Princess (Wilhelm Thiele, 1936). Cuando en 1938 Banton abandona su puesto en la Paramount, Head, que contaba ya con una enorme experiencia, le sustituye al frente del departamento de vestuario. A partir de esta fecha su carrera es muy intensa. Paramount se estructuraba en sesenta departamentos especializados lo que puede dar idea de la envergadura y complejidad en la infraestructura de uno de los grandes estudios de esta época y de su enorme producción anual. Los títulos de su filmografía serán innumerables ya que aparte de diseñar, supervisaba el trabajo de todo su departamento.

Dos de sus más destacados trabajos fueron vestir a Bette Davis en Eva al desnudo (Mankiewicz, 1950)  y a Gloria Swanson como estrella retirada del cine mudo en El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, Billy Wilder, 1950). Este último vestuario fue gratificante para Head. Colaboró mano a mano con la propia Swanson para darle forma externa al personaje de Norma Desmond.


Sus diseños para Elizabeth Taylor marcaron moda. La actriz durante los años cincuenta estaba en su época de esplendor. Para Un lugar en el sol (George Stevens 1951) o La senda de los elefantes (William Dieterle, 1954) Head crea un vestuario muy apropiado para resaltar la belleza de la actriz. Trajes muy entallados en la cintura con amplias faldas, muy femeninos y que dulcificaban el físico más bien rotundo de Taylor. También vistió a la delicada Audrey Hepburn de Vacaciones en Roma (William Wyler, 1953) y a una sobria Marlene Dietrich en Testigo de cargo (Billy Wilder, 1957). Dos actrices que han marcado tendencias muy personales en la moda.

Quizás habría que detenerse especialmente en el trabajo que Head realizó para Hitchcock. Se encargó del vestuario de muchas de las películas del director aunque algunas de ellas merecen destacarse; La ventana indiscreta (1954), Atrapa un ladrón (1955) y especialmente, Vertigo (1958). En todas ellas, no sólo se destaca el indiscutible talento de Head sino que pocas veces en el cine el vestuario se convierte en parte fundamental de la narración.

En 1967, al atravesar Paramount una época de profundos cambios, Head entra a formar parte del equipo de la Universal en donde se encarga de la dirección del departamento de diseño. A partir de esta fecha su trabajo baja en intensidad aunque no en calidad. Merece destacarse sobre todo su magnífico trabajo para El golpe (George Roy Hill, 1973).

Los diseños de Edith Head fueron sinónimo en Hollywood de elegancia y glamour. Aseguraba que el vestuario debía servir por encima de todo para ayudar a la historia y a los personajes. Sin duda no podemos separar la imagen de algunos actores y actrices de los diseños de esta excepcional mujer, pues sus creaciones traspasaron la pantalla e influyeron de forma determinante en la moda de su época. Su talento, creatividad y su larga e intensa carrera han sido únicos en la historia del cine.

23/12/11

Dijo Miss Temple...

"Dejé de creer en Santa Claus cuando mi madre me llevó a verlo en unos grandes almacenes y él me pidió un autógrafo"
Shirley Temple, "Esa Niña Prodigio"

19/12/11

"The Awful Truth" (1937)

Pocas películas han sido tan influyentes para el desarrollo de un género, la comedia, como "The Awful Truth" (me niego a mencionar su traducción al castellano). Esta película asentó las bases de lo que se pondrían denominar "comedias matrimoniales", muy en boga durante finales de los años 30 y principios de los 40.


Con la generalización del cine sonoro, las antiguas comedias cómicas basadas en gags de gran potencia y creatividad visual, tocaron definitivamente a su fín. Es cierto que algunos de los grandes cómicos (Chaplin entre ellos) se resisitieron a abandonar el método que tan buen resultado les había proporcionado en el pasado, y a pesar de que aún realizaron obras de gran mérito, a lo largo de los treinta se generalizaría un nuevo tipo de comedia, basada en los diálogos ocurrentes, la lucha de sexos y cierta crítica de costumbres (muy ligera, eso sí), todo ello desarrollado en ambientes burgueses o acomodados. No hay que olvidar que aquellos años eran muy duros para la sociedad, en plena Depresión, por lo que las comedias tenderían al optimismo y a la evasión.

Este nuevo estilo encumbró y consagró a nuevos directores (Capra, Cukor, McCarey, Hawks) y, sobre todo, a nuevos intérpretes, que ahora precisaban, además de expresividad gestual, buenas dotes en los diálogos, así como capacidad de improvisación. El mejor ejemplo de todo ello lo representó Cary Grant, protagonista del presente filme, en el que encarna a un personaje tipo con el que repetirá fortuna en múltiples ocasiones, apoyándose en su magnífica presencia y sus grandes dotes interpretativas.


La película presenta una lucha de sexos en un matrimonio en vías de divorcio por culpa de un equívoco y los subsiguientes celos. El divorcio sólo se consumará al término de un periodo concreto, y mientras éste se agota los Warriner discutirán la custodia del perro (genial la secuencia del juzgado) y entablarán sendas relaciones con ánimo de provocarse el uno al otro. El reparto hace una labor magnífica, con el ya citado Cary Grant, a quien da la réplica una no menos increible Irene Dunne (impresionante en toda la secuencia que protagoniza en casa de la pretendiente de su casi ex marido); los secundarios están a la altura, sobre todo Bellamy, brillante en su creación de un paleto millonario enamorado de Lucy Warriner.


Para McCarey el filme supuso la consagración definitiva, recibiendo el Oscar al mejor director, y consiguiendo así un prestigio que ya por entonces merecía, pues no en vano había sido el máximo propiciador de la asociación entre Stan Laurel y Oliver Hardy, además de director del clásico "Sopa de Ganso", con los hermanos Marx.

Por todo ello, una comedia muy recomendable, de las que hoy día no se hacen, que aunque en su momento trató un tema como el divorcio, algo bastante escandaloso para la época, logró conquistar al público y a la crítica, y que a dia de hoy, logra más que convencer.

16/12/11

"Eva al Desnudo" (1950) Vs "Showgirls" (1995)

Los rankings siempre son algo que nos gusta. No sé si será por esa manía que tenemos por clasificarlo todo, o por esa ansiedad que nos provoca el conocer quien ocupa el primer puesto de cualquier tipo de clasificación.

CINeol, página de visita obligada para estar al día de las últimas noticias cinéfagas, publicó el año pasado un ranking sobre "10 Películas sospechosamente parecidas a otras". Analizando esta peculiar lista, nos encontramos en el puesto 9 dos películas que personalmente figuran entre mis favoritas, pese a que en principio no tienen mucho en común: Eva al Desnudo & Showgirls.

Si, sé que es extraño que estos dos films (sobre todo el último) puedan figurar en un puesto preferente en mi universo cinéfilo, pero... ¿qué quereis que os diga? Nomi Malone siempre será Nomi Malone.


Años que las separan: cuarenta y cinco, suficientes para que tus hijos vayan a la universidad.

Parecidos: una joven que quiere hacerse un hueco en el mundo del espectáculo acude a la ciudad más indicada para ello y consigue un pequeño inicio junto a una gran estrella. Poco a poco va trepando en el mundillo hasta ocupar el lugar de la estrella en cuestión, gracias a su talento y a su ‘amistad’ con uno de los mayores potentados de la industria, un ascenso en el que abundan las zancadillas y las traiciones por ambos lados.

Diferencias: pese a lo que el título pueda indicar, en Showgirls hay más tetas, lo que viene derivado de la industria en la que se centra. Y follan más que hablan. De hecho, el talento se mide no por la capacidad de encarnar con convicción un papel complicado, sino por la capacidad de hacer que un tío se corra en los pantalones con un bailecito privado. Ah, la sutileza.

Otras películas relacionadas: Dale Caña que es Francesa y muchas otras películas de adolescentes, Chicago, Conociendo a Julia, El Valle de las Muñecas...

15/12/11

Dijo Miss Hepburn ...


"La muerte será un gran alivio, ¡No más entrevistas!"

 Katherine Hepburn, "La Arrogante"

13/12/11

Michael Wilding, el hombre de la sonrisa ladeada

Anoche, como todo los lunes, vimos en casa una de las pocas película de Miss Dietrich que nos faltan para completar su filmografía. En esta ocasión fue Stage Fright (1950), película de Alfred Hitchcock protagonizada  por Jane Wyman y Michael Wilding, que cuenta con una edición en DVD pésima, nada recomendable, con errores en la contraportada y con una selección de idiomas / subtítulos bastante "extraña".


Lo más destacado de la película fue ver de nuevo a Michael Wilding en su característico papel de misterioso seductor de sonrisa ladeada. Poco o nada conocía con anterioridad de este actor, visto en Torch Song (1953), donde hace el papel de un músico invidente que consigue exasperar a una muy subidita Joan Crawford.

Su nombre completo era Michael Charles Gauntlet Wilding, y nació en Leigh-on-Sea, Inglaterra. Wilding era un artista comercial de éxito cuando entró a formar parte del departamento artístico de un estudio cinematográfico londinense en 1933, iniciando al poco tiempo su carrera interpretativa.


Wilding actuó en numerosas películas británicas, a menudo junto a Anna Neagle, pero tuvo una carrera en Hollywood menos productiva que la de ella. Entre sus actuaciones para el cine se incluyen Sailors Three (1940), In Which We Serve (1942), Undercover (1943), Piccadilly Incident (1946), Spring in Park Lane (1948), Stage Fright (1950) y El mundo de Suzie Wong (1960).

Wilding se casó en cuatro ocasiones. Destacando su matrimonio con la actriz Elizabeth Taylor, que doblaba en edad. Con Miss Taylor tuvo dos hijos, Michael Howard Wilding y Christopher Edward Wilding.


En la década de 1960 Wilding se vio forzado a reducir su trabajo en el cine a causa de un estado de salud debilitado por la epilepsia que padeció a lo largo de toda su vida. Michael Wilding falleció en Chichester, Inglaterra, en 1979 a causa de las lesiones craneales que sufrió al caer por unas escaleras durante un ataque epiléptico.

7/12/11

"Clase B": otra forma de hacer cine

En estos días de "puentes" varios, unos amigos vinieron a cenar a casa, y antes de sacar los "Ferrero"  (en forma piramidal siempre) como toda anfitrión que se precie, estuvimos debatiendo qué películas nos gustaban y el porqué. Tras negarme a alabar Entrevista con el Vampiro, me comentaron que a mi siempre me gustaban los films de "clase B".

¿Hasta qué punto tenían razón? Y lo que es más importante, ¿qué es exactamente la "clase B" en el cine?

Las pelí­culas de “clase B” surgieron como respuesta de los estudios de Hollywood a la caí­da de público experimentada tras el crack de 1929. Para maximizar beneficios, las grandes Estudios optaron por ofrecer dos largometrajes por el precio de uno. El plato fuerte serí­a una lujosa producción de “clase A”; el “relleno”, un barato filme de “clase B”. Nació así­ una tipologí­a que serí­a adoptada por los propios estudios y generalizada a través del tiempo. Las pelí­culas de “clase B”, usualmente de género (westerns, gángsteres, terror o ciencia-ficción), se caracterizaban por su bajo presupuesto, contar con actores poco conocidos (o viejas glorias en las últimas) y rodarse en muy poco tiempo. Los grandes estudios tení­an unidades especializadas en pelí­culas de “clase B”, pero también habí­a pequeñas compañí­as como la Republic o la Monogram que se dedicaban a este tipo de cine.


A pesar de la denominación “clase B”, muchas de las pelí­culas que aparecieron por esos tiempos, se convirtieron en clásicos del cine, lanzando a directores y actores a la fama y al éxito. Pelí­culas como El último refugio (1940), que catapultó a Humphrey Bogart a la fama, o La mujer pantera (1941) que le dio la entrada a Jaques Tourneur para hacer grandes pelí­culas “clase A”.


El cine “clase B” también fue el campo de prueba de muchos directores. El cine “clase B” propició las condiciones para que los cineastas experimentaran y crearan nuevos lenguajes o abordaran temáticas menos comunes.

Tras la caída del sistema de estudios a finales de los años 50, pasó a llamarse “clase B” a toda pelí­cula de bajo presupuesto, y más tarde se convirtió en sinónimo de cine de baja calidad. Pero, a pesar de sus connotaciones peyorativas, muchas de las cintas de “clase B” que aparecieron en aquella época (La mujer pantera, Yo anduve con un zombi) se convirtieron en clásicos, lanzando a la fama a directores como Jules Dassin, Jacques Tourneur y Anthony Mann. Directores que, trabajando en la más absoluta precariedad, hicieron algunas de las mejores pelí­culas de su tiempo.


Como curiosidad, comentar que a finales de la década de los 50, se originó un subgénero del cine “clase B”, el “cine Z”, que tení­a un presupuesto aún más miserable y una edición más mala que su antecesor.

Por todo ello, y básandome en lo comentado anteriormente,afirmo pues que efectivamente me gusta y defiendo el cine de "clase B", entre otros muchos géneros. Surgiéndome la siguiente duda... ¿no podría considerarse, a día de hoy, cine de "clase B" a toda la bazofia que se proyecto en los cines, que pese a contar con un presupuesto mucho más abultado, tienen un argumento y un reparto que roza (y sobrepasa) la mediocridad? No, no creo que puedan equipararse ambos típos de films.

2/12/11

"Johnny Guitar" (1954)

En el último post, varios blogueros me recordaron una película que hace unos años que no veo.

Johnny Guitar.

Pese a que el género del western no es uno de mis favoritos, por el simple hecho de ver a Joan Crawford y Mercedes McCambridge actuar juntas (y llevándose a matar), merece la pena volver a visionar el film.

Johnny Guitar, parte de una obra de Ray Chanslor, aborda el mito fundacional del western y, por extensión, de la creación de los Estados Unidos como país. Vienna (Joan Crawford) ha instalado una casa de juego y bebida con la esperanza de que un futuro su negocio prospere con la llegada del ferrocarril. Para ambientar el local llama a su antiguo amante, el guitarrista Johnny Guitar (Sterling Hayden). Sus planes sufrirán la oposición de Emma Small (Mercedes McCambridge), una mujer que odia a Vienna y desea su marcha del lugar.

A continuación os dejo algunos de los carteles que sirvieron para promocionar el film (uno de ellos lo tengo colgado en el baño). Espero que disfruteis de nuevo de la película, y si todavía no la habeis visto, razón doble para disfrutarla.










30/11/11

Hoy el cine eres tú

Permitidme dedicar el post de hoy a una persona que hace 2 años entró en mi vida, o mejor dicho, transformó mi vida por completo. Como en las mejores películas de Miss Hepburn, muchas veces el AMOR, en  letras mayúsculas, te envuelve en una espiral que modifica todos tus esquemas, y provoca un torbellino de sentimientos que nunca antes habías experimentado.

Es difícil explicar cualquier sentimiento, y quizás este seá el más complejo. Por ello recurriré a esas frases que nos emocionaron en la gran pantalla, por que hoy el cine eres tú.


Prefiero vivir una vida contigo que pasar el resto de las edades sin tí
(El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo)

He cruzado océanos de tiempo para encontrarte
(Drácula, de Bram Stoker)

Sin ti las emociones de hoy sólo serían las envolturas muertas de las del ayer
(Amelie)

No me acuerdo de olvidarte
(Memento)

Los edificios arden, las personas mueren, pero el amor verdadero es para siempre
(El Cuervo)

Quiero que seas la última persona con la que hable antes de dormirme por las noches
(Cuando Harry encontró a Sally)

Le doy a todos mi sonrisa, pero solo a uno mi corazón
(El Quinto Elemento)


Tengo miedo de lo que ví, de lo que hice y de lo que soy, y de lo que más tengo miedo es de salir de esta sala y nunca más en la vida sentir lo que siento cuando estoy contigo
(Dirty Dancing)

Y vuelves a atrapar mi tristeza para esconderla en tu bolsillo, para alejarla de mi… De nuevo has sembrado el jardín de mis pesadillas con nuevos sueños, con otras esperanzas…
(Los puentes de Madison)

- Qué buscas?
- Algo para seguir engañándome, igual que tu
(Azuloscurocasinegro)

Te quiero. Te quise desde el primer momento en que te vi. Te quise incluso antes de verte por primera vez.
(Un lugar en el sol)

Todas las noches queda vacío mi corazón, pero a la mañana siguiente está lleno de ti, otra vez
(El Paciente Inglés)

No importa lo que pase mañana o el resto de mi vida. Ahora soy feliz, porque te quiero
(Atrapados en el tiempo)

Bésame como si fuese la última vez
(Casablanca)

Cuando se trata del amor, incluso los heroes más grandes parecen indefensos
(Tigre y Dragón)

Nuestro amor es como el viento, no puedo verlo pero si sentirlo
(Un paseo para recordar)

Puede que no sea muy listo, pero sé lo que es el amor
(Forrest Gump)


No quiero necesitarte...porque no puedo tenerte
(Los puentes de Madison)

Te echaria de menos aunque no te conociera
(El dia de la boda)

Toma el amor, multiplicalo al infinito y elevalo a las profundidades de la eternidad. Ahí, solo tendrás una pincelada de lo que es el amor
(¿Conoces a Joe Black?)

Todas las noches queda vacío mi corazón, pero a la mañana siguiente está lleno de ti, otra vez
(El Paciente Inglés)

Un beso es un acento invisible en la palabra amor
(Cirano de Bergerac)

Cuando vi que te alejabas dejé de ver, de sentir, de oír, sólo pensaba en que te ibas ... Sólo pensaba que mi amor se iba y sólo quería estar con ella
(Cleopatra)

28/11/11

Y Béla Lugosi se convirtió en Drácula

El repertorio de películas de terror de la Universal se extiende de 1931 a 1948, cuando Abbott y Costello contra los fantasmas, dirigida por Charles T. Barton y producida por el propio estudio, pone fin al ciclo al ser su primera parodia. Sin lugar a dudas, el conjuto sirve de pórtico a todo el género. Se puede ser igual de categórico al afirmar que la entrada a dicho pórtico es Drácula, de Tod Browning.


Sin embargo los inicios no fuera fáciles para llevar a cabo la película. Cuando la Universal se propuso producir Drácula, se encontraba al borde de la quiebra por la dificil situación económica que atravesaba el pais, habiendo perdido el interés por el cine de terror. No obstante, la cinta constituyó un éxito de público sin precedentes desde el mismo día de su estreno. Los beneficios obtenidos por el film fueron cifrados en 700.000 dólares a nivel nacional y 1,2 millones en todo el mundo.

¿Cuales fueron entonces los motivos que propiciaron tal éxito? Está claro. La afluencia masiva de espectadores demostró de un modo irrefutable la avidez de fantasía que desató la dificil situación económica. El hecho de que la Universal consintiera una película que versaba sobre uno de los más repugnantes deseos humanos, viene a probar la complacencia del poder con las  historias que transladaban al espectador a los terrores de ultratumba, haciendole olvidar los horrores cotidianos. Y esa complacencia se traduce, obviamente, en dinero.

Personalmente, más allá de la aparición, o mejor dicho, del resurgimiento del género, este film goza de importancia por darnos a conocer a uno de los actores más importantes del género; Béla Lugosi.


Bela Blasko nació el 20 de octubre de 1882 en Lugos, Hungría, en el seno de una familia acomodada. Su padre era banquero, aunque la muerte de éste cuando Bela tenía 12 años, provocó que el joven Lugosi se pusiera a trabajar como minero. Poco después, comenzó a estudiar interpretación en la Academia de teatro de Budapest.

A los 19 años se convirtió en una estrella de la escena húngara (conocido como Arisztid Olt) y en 1915 debutó en el cine. En esta época, Bela se involucró muchísimo en el contexto histórico en que vivía su país. Participó en la 1ª Guerra Mundial y cuando la monarquía húngara fue derrocada se significó como uno de los principales abanderados de la izquierda, fundando el sindicato de actores. En 1917 se había casado por primera vez con Ilona Szmik, de quién se divorciaría en 1920. Cuando el régimen comunista comenzó a declinar, Lugosi se trasladó a Alemania y posteriormente a los Estados Unidos. Sin dominar el inglés y con un acentuado acento húngaro, Bela (adoptó el apellido Lugosi en homenaje a su lugar de nacimiento) consiguió debutar en Hollywood con la película The silent comand (1923). Tras un período de inestabilidad, Lugosi consiguió en 1927 hacerse con el papel de Drácula en la obra teatral del mismo título que se iba a representar en Broadway. La función resultaría todo un éxito y Bela se afianzaría como actor cinematográfico, aunque por ahora sin demasiado renombre.


Su boda con la millonaria Beatrice Week, que duró escaso tiempo, debido a su affaire con la estrella del cine mudo Clara Bow le supuso una publicidad extra. La gran oportunidad de Bela Lugosi llegaría cuando otro mito del cine de terror, Lon Chaney, no pudo encarnar por motivos de salud al conde Drácula en el film que estaba preparando la Universal. Tod Browning, su director, recomendó a Lugosi y finalmente el húngaro aceptó el papel que le convertiría en una superestrella mundial. Poco después, rechazó intervenir en Frankenstein aludiendo a la escasez de diálogo y el exceso de maquillaje. El papel sería para Boris Karloff, su rival en el estrellato del cine fantástico y de terror en los años 30 y 40. En 1933, Bela contraería matrimonio por tercera vez con Lillian Arch, su esposa hasta 1953.


Durante toda la década de los 30 y la primera mitad de los años 40, Bela Lugosi no cesaría de trabajar en multitud de películas del género. El doble asesinato de la calle Morgue (1932) de Robert Florey, La isla de las almas perdidas (1932) de Erle C. Kenton, Satanás (1934) de Edgar G. Ulmer, El cuervo (1935) de Louis Friedlander, La sombra de Frankenstein (1939) de Rowland V. Lee o Asesinato por televisión (1939) de Clifford Staniforth son algunos de los títulos más destacados de Bela en su época de esplendor. También en este período apareció brevemente en la comedia de Ernst Lubitsch, Ninotchka (1939).

Los años 40 supusieron un cierto declive para el actor ya que mayoritariamente eran producciones de serie B y muchas de ellas de tono paródico. Además, su vida se inestabilizó ya que Bela asumió en la realidad la personalidad de vampiro que le había hecho famoso y se convirtió en un adicto a las drogas. Frankenstein y el hombre lobo (1943), dirigida por Roy William Neill es uno de sus títulos más populares en este decenio.
Olvidado por los grandes estudios e inmerso en el mundo de los estupefacientes, Bela Lugosi pudo regresar a la actuación gracias al requerimiento de un extraño fan llamado Ed Wood Jr., considerado como el peor director de la historia del cine. Bajo las órdenes de Wood aparecería en tres películas de serie Z, todas ellas de muy escasa entidad, Glenn or Glenda? (1953), Bride of the monster (1955) y Plan 9 from outer space (1956).

En 1955, Bela se casaría por cuarta vez con Hope Lininger, a quien dejaría viuda el 16 de agosto de 1956, cuando Lugosi murió de un ataque al corazón en Los Ángeles. Tenía 73 años y la leyenda de terror sería enterrado con la capa del personaje que lo haría popular, Drácula.

24/11/11

Ciclo de Cine Mudo: Adaptaciones Literarias

La Fundación Juan Marx, nos ofrece por segundo año consecutivo un Ciclo de Cine Mudo.

El año pasado pudimos disfrutar del Ciclo Melodrama y Star-System, en el que se visionaron películas como Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921), La tierra de todos (1926), El demonio y la carne  (1927), Amanecer (1927), El séptimo cielo (1927), Vírgenes modernas (1928) y La reina Kelly (1928). Además de disfrutar con coloquios sobre la trama de cada film, así como anécdotas y la biografía del director y sus protagonistas.

Este año, la Fundación nos ofrece el Ciclo Adaptaciones Literarias. Ocho adaptaciones cinematográficas de las obras clave de la literatura del siglo XIX y XX.


Las películas que se exhibirán son:

  • El ladrón de Bagdad (14 y 15 octubre)
  • Nuestra Señora de París o El jorobado de Notre Dame (18 y 19 noviembre)
  • Los Nibelungos (I). La muerte de Sigfrido (16 diciembre)
  • Los Nibelungos (II). La venganza de Krimilda (17 diciembre)
  • Nosferatu (27 y 28 enero)
  • Naná (17 y 18 febrero)
  • Sangre y arena (16 y 17 marzo)
  • El hombre y la bestia (13 y 14 abril)
  • Fausto (11 y 12 mayo)

Los horarios de todos los films es:
  • Presentación: 19,00 horas
  • Proyección de la película: 19,30 horas

Os recomiendo que si quereis acceder a la película, esteis, al menos, 30 minutos antes del inicio, pues suele abarrotarse la sala, y en muy probable no encontrar sitio si llegais más tarde.

Intentaré acudir a algunas de las proyecciones, pues hay films que me interesan bastante. Ya iré informando.

22/11/11

La primera rubia platino, Jean Harlow

Debo reconocer que poco o nada había visto de Jean Harlow hasta la semana pasada. Apenas conocía unos apuntes de su vida: había sido una de las actrices más reconocidas de los años 30, considerada toda una sex symbol, cuya temprana muerte conmocionó a la sociedad de la época.


Por ello, me dispuse a ver La Indómita (Reckless, 1935). No sé si es de sus mejores o peores películas, pues no tengo con qué comparar, pero me dejó claro el motivo por el que impactó a millones de personas: una actitud desafiante, una forma de moverse y de hablar muy provocativa, y una cabellera rubia platino impactante.

Harlean Carpenter (su nombre real) nació en Kansas City, Missouri, el 3 de marzo de 1911, en el seno de una familia de clase media (su padre Mont Clair era dentista y su madre Jean ama de casa). A los 16 años de edad y residiendo en la ciudad de Chicago, se enamoró perdidamente de Charles McGraw, un empresario de la ciudad siete años mayor que Jean, se fugareon y contrajeron matrimonio en 1927.

A finales de los años 20 y con la efervescencia cinéfila que rodeaba la zona en la que residían, Jean intentó convertirse en actriz adoptando definitivamente el nombre artístico de Jean Harlow (apellido de soltera de su madre), pero lo único que pudo conseguir fueron pequeños papeles para intervenir en algunos cortos, la mayoría pertenecientes al género cómico.


En 1929, antes de comenzar la década que la elevaría al estrellato, se divorció de McGraw. Un año después logró que el magnate Howard Hughes se fijase en ella para intervenir en "Angeles del infierno" (1930). 

La fama conseguida con "Ángeles del infierno", sus participaciones breves en películas de éxito, como "Luces de la ciudad" (1931) de Charles Chaplin, y su protagonismo con James Cagney en "El Enemigo Público" (1931) de William Wellman, y con el malogrado Robert Williams en "La jaula de oro" (1931) de Frank Capra, estimularon el interés del estudio Metro Goldwyn Mayer hacia su persona que fue concretado en 1932, año en el que también Jean contrajo matrimonio con Paul Bern, hombre de confianza de Irving Thalberg y veintidos años mayor que Harlow.

Este matrimonio acabó en una sonada desgracia cuando meses después de la boda Bern fue hallado muerto en su dormitorio después de haberse suicidado al frustrarse por padecer impotencia y no poder satisfacer sexualmente a su joven esposa. Para completar la tragedia, un día después, Dorothy Millette, la primera mujer de Paul Bern, también se suicidó arrojándose al río Sacramento.

Durante toda la década de los 30 el prestigio como actriz de Jean Harlow fue in crescendo gracias a su notable cariz cómico y a sus colaboraciones en pantalla con gente como Clark Gable, con quien colaboró en seis títulos.

En pleno apogeo de su éxito, muchas de sus fans femeninas se tiñeron el pelo de rubio platino como ella, e incluso Howard Hughes organizó un concurso en el cual el peluquero que más se acercara al tono de rubio de la actriz, recibiría un premio de 10.000 dólares.

Las películas más significativas de Harlow fueron "Tierra de pasión" (1932) de Victor Fleming, "La pelirroja" (1932) de Jack Conway, "Cena a las ocho" (1933) de George Cukor, "Tú eres mío" (1933) de Sam Wood, "Polvorilla" (1933) de Victor Fleming, "Busco un millonario" (1934) de Jack Conway, "Mares de China" (1935) de Tay Garnett, "Entre esposa y secretaria" (1936) de Clarence Brown, o "Una mujer difamada" (1936), de nuevo bajo la dirección de Conway.

Tras el fallecimiento de Bern, Jean Harlow volvió a casarse por tercera vez, ahora con el director de fotografía Harold Rosson. La pareja tampoco resultó estable, pues contrajeron matrimonio en 1933 y se divorciaron en 1935. Poco después entabló relaciones sentimentales con el actor William Powell.

Mientras rodaba la película "Saratoga" (1937), Jean Harlow se sintió indispuesta y fue hospitalizada a causa de una enfermedad derivada del riñón que Jean sufría a consecuencia de haber padecido en su niñez la escarlatina.

Derivado de ese contratiempo, el 7 de junio de ese año falleció la primera gran rubia platino del mundo del espectáculo y su película "Saratoga", que tuvo que concluir una doble, se convirtió en el título más taquillero del año 1937. En el momento de su muerte Jean tenía solamente 26 años.

18/11/11

Natalie Wood: Caso Abierto


Esta mañana nos hemos levantando con una nueva noticia sobre el caso de la inesperada muerte de Natalie Wood.

La Policía de Los Ángeles informó que ha reabierto la investigación 30 años después de su muerte tras haber recibido nueva información del caso. La actriz, de 43 años, fue encontrada muerta en las aguas del Pacífico, en un suceso que fue considerado accidental pero que causó mucha polémica en la época.

El portavoz del alguacil del condado de Los Ángeles, Steve Whitmore, explicó que han recibido nueva información del caso, sin aportar más datos, según informó la cadena Fox.




Está previsto que un detective ofrezca una rueda de prensa en la que se pedirá al público que cualquiera que tenga información adicional sobre el caso contacte con la oficina del alguacil.

El cuerpo de la actriz apareció flotando en las proximidades de la isla de Catalina, en California, donde, junto a su marido, el actor Robert Wagner, y su compañero de rodaje, Christopher Walken, pasaba un fin de semana.

Las autoridades, que determinaron que la actriz había estado bebiendo antes de su muerte, concluyeron que todo fue un accidente cuando ésta cayó a las oscuras aguas del Pacífico mientras intentaba saltar a un bote de goma atado al yate "Splendor" , fondeado en la isla.

Pese a la conclusión policial, comenzaron a circular los rumores sobre si pudo ser un suicidio o un asesinato y teorías sobre si había discutido con su marido antes de caer al agua, al tiempo que se rumoreó acerca de los supuestos celos de Wagner por la amistad de la actriz con Walken.

Recordada por sus trabajos en "West Side Story" , "Esplendor en la hierba" o "The Searchers" , Wood comenzó a trabajar en Hollywood cuando era sólo una niña. Casada en dos ocasiones con Wagner, en el momento de su muerte estaba trabajando en el rodaje de "Brainstorm" , en el que colaboraba con Walken.


En un comunicado enviado a la revista TMZ, el representante de Wagner dijo que "aunque nadie en la familia Wagner ha tenido noticias del departamento del alguacil del condado de Los Ángeles sobre este asunto, apoyan totalmente los esfuerzos del departamento".

Esperemos pues que pronto se esclarezcan los hechos, y dejemos descansar a Miss Wood como se merece.

16/11/11

Los lunes son días Marlene

El pasado lunes, como todos los lunes, fue un día Marlene. Y no por que el pasado lunes fuera especial, no. Sino por que todos los lunes vemos en casa alguna película de la filmografía de Miss Dietrich.

La verdad es que no recuerdo como surgió la iniciativa, me imagino que comentáramos la gran cantidad de películas de Marlene que teníamos y que apenas habíamos visto. Así que institucionalizamos los lunes Marlene.

Apenas nos quedan por ver unas diez película de su filmografía, así que este lunes elegimos "El Principe Mendigo" (1944).


Poco había leído sobre este film nominado a 4 Oscars, aunque siempre que se hacía referencia a él, se comentaba lo espectacular del atrezzo de Miss Dietrich y su inigualable baile arabesco pintada cual estatua dorada.


Marlene siempre ha dicho del film que lo realizó básicamente por ganar dinero, pues el papel que interpretaba no valía mucho la pena. Pese a eso, fue su primera película para la Metro Goldwin Mayer, algo ansiado por todas las actrices de la época, pues se decía que ofrecían excelentes condiciones laborales. Por ello, y para preparar el papel, tomó unas lecciones de danza exótica.

Al situarse la trama en Bagdad, el vestuario de Marlene contaba con cierta importancia, por ello junto con su modista Iréne tuvieron una sorprendente idea respecto, que aunque en un principio les pareció extraordinaria, al final no salió del todo bien. Se trataba de bailar con un pantalón formado por centenares de cadenitas de oro, que sonara ligeramente a cada movimiento y que brillara bajo las luces del estudio. Por ello, durante varias horas al día los estilistas le ajustaron las cadenitas de oro alrededor de los muslos, uniendo los eslabones con unas pinzas. Tal y como estaba previsto, llegó el día de firmar la escena, y Marlene coménzó a bailar. De repetente.... todas las cadenas empezaron a sonar unas con otras y el pantalón se rompió.

Todo ello provocó en Marlene una crisis de ansiedad, pues las fechas del rodaje eran muy ajustadas. Pero tras estar varias horas llorando, Marlene tuvo la solución. Pintarse las piernas con pintura para muebles.

Al día siguiente, a las 6 de la mañana, dos maquilladoras provistas de pinceles le embadurnaron las piernas con pintura color oro. El resultado no podía ser mejor.

Una hora después sucedió lo inevitable. La pintura se adherió tanto a sus piernas, que le provocó una bajada térmica. Se instalaron unas estufas, y finalmente se realizó la escena. Tras ello, el médico del estudio le prohibió seguir rodando bajo esas circustancias, pues la piernas de Miss Dietrich se volvieron verdes debido a una obturación grave de los poros.

Pese a ello, el rodaje finalizó con éxito, y aunque la película no fue un box office en taquilla, no defraudó a los fans de Marlene, siempre deseosos de nuevos films de la estrella.




Tras lo dicho, una película muy recomendable, con una estética muy vistosa, y un guión que, aunque muy de  Disney, logra entretener y convencer.

11/11/11

Dijo Miss Crawford...


"I love playing bitches.
There's a lot of bitch in every woman - a lot in every man."

Joan Crawford, "La Dama"

10/11/11

La mirada de Miss Davis


No lo voy a negar. Bette Davis es mi actriz favorita.

Hace ya poco más de un siglo, una mujer rubia, relativamente bajita, de mirada saltona y cara de pocos amigos, irrumpió en lo que se conocía como el star system de Hollywood, instalándose en primera fila con determinación y carácter. A simple vista parecía frágil, pero resultó de acero.

Bette Davis no era una belleza ni necesitaba serlo: para eso estaban las otras, las lánguidas, las chicas bien o las chicas de la casa de al lado. Poseía una de esas miradas que te hipnotizaban, que te hacen plantear si te está mirando con odio, asco, o con simple preeminiscencia.

Pero... ¿cuál es el leitmotiv de la ya famosa mirada de Miss Davis?

Obviando ese deje que siempre le ha caracterizado, mucha de la culpa de su mirada la tiene un incidente acontecido el día de Navidad de 1919. Mientras encendía las velas de su árbol de Navidad, una de las cerillas le cayó en su vaporoso vestido de seda y se prendió fuego en cuestión de unos segundos, alcanzando su larga cabellera. Bette fué auxiliada rápidamente por su madre y conducida a un centro hospitalario en donde la recomendaron lavarla con agua y ácido bórico. Y así, durante quince días, su madre le lavó los ojos quemados y le puso compresas de ácido bórico que, aunque impidieron que se generase una infección, le destruyeron toda la capa externa de la piel e hincharon sensiblemente sus globos oculares. La consecuencia fue increiblemente beneficiosa, ya que su piel se volvió tersa, aunque delicada, y sus ojos saltones sobresalieron entre sus párpados hastar darle esa mirada déspota con la que es recordada.

¿Hasta donde hubiera llegado Miss Davis sin esa caída de ojos?, ¿Le benefició o le perjudicó?

Nunca lo sabremos. Mejor.