28/12/11

Un chimpancé llamado Chita

El refugio de animales The Suncoast Primate Sanctuary de Palm Harbor (Florida, EEUU) informó que el chimpancé Chita, que coprotagonizó en los años 30 y 40 doce películas de Tarzán, murió a causa de una insuficiencia renal.

El fallecimiento se produjo el pasado 24 de diciembre, según informa esa fundación en su página web, donde ha puesto a disposición de los fans un apartado para dedicarle un último adiós.

Jiggs, nombre original del chimpancé nacido en Liberia el 9 de abril de 1932, en realidad era macho, aunque se lo conocía como la "mona Chita".

Chita participó, entre otras, en las películas “Tarzán the Ape Man” (Tarzán de los Monos) en 1932 y “Tarzán and his Mate” (Tarzán y su compañera) en 1934, filmes clásicos que relatan las aventuras de un hombre criado en la selva, protagonizados por Johnny Weissmuller y Maureen O'Sullivan.

El acompañante de Tarzán, que tuvo cerca de una decena de chimpancés que lo sustituyeron en rodajes de secuencias de la saga, recibió en 2006 un homenaje y el premio Calabuch por sus méritos artísticos en el Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola.

El chimpancé, que llegó al refugio de animales en 1960, amaba pintar con sus dedos y mirar football, y se calmaba escuchando música cristiana, dijo al diario Tampa Tribune Debbie Cobb, director del Santuary Suncoast Primate.

Ron Priest, un voluntario que trabaja en el refugio dijo al Tribune que Chita se destacaba porque podía pararse con la espalda erguida, como un humano, además de tener otros talentos.

Chita no sólo debe su fama a las películas, sino a que figura en el Libro Guiness de los Récords como el simio más longevo del mundo.

26/12/11

Edith Head, la mujer que vistió a Hollywood

En Hollywood, su nombre es legendario. Edith Head, jefa de vestuario de los estudios Paramount y luego de Universal, creó el vestuario de 1131 films a lo largo de su carrera, que se extendió de 1927 hasta su muerte, en 1981, pocos días antes de su 84º cumpleaños.

Todas las más grandes estrellas lucieron sus creaciones de Bette Davis y Gloria Swanson a Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn y su favorita, Grace Kelly, para quien diseñó el vestido de novia con el que se convirtió en princesa. Head recibió 35 nominaciones al Oscar y lo ganó ocho veces, un record jamás igualado.


Desde los años diez los incipientes estudios comienzan a contratar profesionales especializados para los distintos departamentos artísticos, entre ellos, el de vestuario. Al surgir el “star system” una década después, las desde entonces denominadas “estrellas” se convierten en el sello de glamour y sofisticación que el público demandaba. Todo ello requería, por supuesto, que los departamentos en los que trabajaba un inmenso despliegue de profesionales, diseñadores, maquilladores, fotógrafos...tomaran mayor cuidado en potenciar y mimar el “look” de sus estrellas.

Howard Greer, jefe del departamento de arte de la Paramount, contrata en 1923 a Head para dibujar los bocetos del vestuario propuesto para cada nuevo proyecto del estudio. Con ellos trabajaba un diseñador al que Head admiraba profundamente, Travis Banton. Este se haría cargo del departamento cuando Greer deja el estudio en 1927 y tomará a Edith Head como asistente. Banton, de gran talento, diseñaría algunos de los vestidos más celebrados de Carole Lombard o Marlene Dietrich de quién potencia para la pantalla su famoso “estilo masculino”.


Head comienza creando el vestuario de los actores secundarios en las películas de pequeño presupuesto del estudio, pero su magnífico trabajo y dedicación le hicieron tomar mayor responsabilidad y en poco tiempo alguna de las grandes estrellas de los años veinte como Clara Bow o Mae West vestían sus diseños en la pantalla.

Uno de los primeros éxitos de Head fueron sus creaciones para Dorothy Lamour en The Jungle Princess (Wilhelm Thiele, 1936). Cuando en 1938 Banton abandona su puesto en la Paramount, Head, que contaba ya con una enorme experiencia, le sustituye al frente del departamento de vestuario. A partir de esta fecha su carrera es muy intensa. Paramount se estructuraba en sesenta departamentos especializados lo que puede dar idea de la envergadura y complejidad en la infraestructura de uno de los grandes estudios de esta época y de su enorme producción anual. Los títulos de su filmografía serán innumerables ya que aparte de diseñar, supervisaba el trabajo de todo su departamento.

Dos de sus más destacados trabajos fueron vestir a Bette Davis en Eva al desnudo (Mankiewicz, 1950)  y a Gloria Swanson como estrella retirada del cine mudo en El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, Billy Wilder, 1950). Este último vestuario fue gratificante para Head. Colaboró mano a mano con la propia Swanson para darle forma externa al personaje de Norma Desmond.


Sus diseños para Elizabeth Taylor marcaron moda. La actriz durante los años cincuenta estaba en su época de esplendor. Para Un lugar en el sol (George Stevens 1951) o La senda de los elefantes (William Dieterle, 1954) Head crea un vestuario muy apropiado para resaltar la belleza de la actriz. Trajes muy entallados en la cintura con amplias faldas, muy femeninos y que dulcificaban el físico más bien rotundo de Taylor. También vistió a la delicada Audrey Hepburn de Vacaciones en Roma (William Wyler, 1953) y a una sobria Marlene Dietrich en Testigo de cargo (Billy Wilder, 1957). Dos actrices que han marcado tendencias muy personales en la moda.

Quizás habría que detenerse especialmente en el trabajo que Head realizó para Hitchcock. Se encargó del vestuario de muchas de las películas del director aunque algunas de ellas merecen destacarse; La ventana indiscreta (1954), Atrapa un ladrón (1955) y especialmente, Vertigo (1958). En todas ellas, no sólo se destaca el indiscutible talento de Head sino que pocas veces en el cine el vestuario se convierte en parte fundamental de la narración.

En 1967, al atravesar Paramount una época de profundos cambios, Head entra a formar parte del equipo de la Universal en donde se encarga de la dirección del departamento de diseño. A partir de esta fecha su trabajo baja en intensidad aunque no en calidad. Merece destacarse sobre todo su magnífico trabajo para El golpe (George Roy Hill, 1973).

Los diseños de Edith Head fueron sinónimo en Hollywood de elegancia y glamour. Aseguraba que el vestuario debía servir por encima de todo para ayudar a la historia y a los personajes. Sin duda no podemos separar la imagen de algunos actores y actrices de los diseños de esta excepcional mujer, pues sus creaciones traspasaron la pantalla e influyeron de forma determinante en la moda de su época. Su talento, creatividad y su larga e intensa carrera han sido únicos en la historia del cine.

23/12/11

Dijo Miss Temple...

"Dejé de creer en Santa Claus cuando mi madre me llevó a verlo en unos grandes almacenes y él me pidió un autógrafo"
Shirley Temple, "Esa Niña Prodigio"

19/12/11

"The Awful Truth" (1937)

Pocas películas han sido tan influyentes para el desarrollo de un género, la comedia, como "The Awful Truth" (me niego a mencionar su traducción al castellano). Esta película asentó las bases de lo que se pondrían denominar "comedias matrimoniales", muy en boga durante finales de los años 30 y principios de los 40.


Con la generalización del cine sonoro, las antiguas comedias cómicas basadas en gags de gran potencia y creatividad visual, tocaron definitivamente a su fín. Es cierto que algunos de los grandes cómicos (Chaplin entre ellos) se resisitieron a abandonar el método que tan buen resultado les había proporcionado en el pasado, y a pesar de que aún realizaron obras de gran mérito, a lo largo de los treinta se generalizaría un nuevo tipo de comedia, basada en los diálogos ocurrentes, la lucha de sexos y cierta crítica de costumbres (muy ligera, eso sí), todo ello desarrollado en ambientes burgueses o acomodados. No hay que olvidar que aquellos años eran muy duros para la sociedad, en plena Depresión, por lo que las comedias tenderían al optimismo y a la evasión.

Este nuevo estilo encumbró y consagró a nuevos directores (Capra, Cukor, McCarey, Hawks) y, sobre todo, a nuevos intérpretes, que ahora precisaban, además de expresividad gestual, buenas dotes en los diálogos, así como capacidad de improvisación. El mejor ejemplo de todo ello lo representó Cary Grant, protagonista del presente filme, en el que encarna a un personaje tipo con el que repetirá fortuna en múltiples ocasiones, apoyándose en su magnífica presencia y sus grandes dotes interpretativas.


La película presenta una lucha de sexos en un matrimonio en vías de divorcio por culpa de un equívoco y los subsiguientes celos. El divorcio sólo se consumará al término de un periodo concreto, y mientras éste se agota los Warriner discutirán la custodia del perro (genial la secuencia del juzgado) y entablarán sendas relaciones con ánimo de provocarse el uno al otro. El reparto hace una labor magnífica, con el ya citado Cary Grant, a quien da la réplica una no menos increible Irene Dunne (impresionante en toda la secuencia que protagoniza en casa de la pretendiente de su casi ex marido); los secundarios están a la altura, sobre todo Bellamy, brillante en su creación de un paleto millonario enamorado de Lucy Warriner.


Para McCarey el filme supuso la consagración definitiva, recibiendo el Oscar al mejor director, y consiguiendo así un prestigio que ya por entonces merecía, pues no en vano había sido el máximo propiciador de la asociación entre Stan Laurel y Oliver Hardy, además de director del clásico "Sopa de Ganso", con los hermanos Marx.

Por todo ello, una comedia muy recomendable, de las que hoy día no se hacen, que aunque en su momento trató un tema como el divorcio, algo bastante escandaloso para la época, logró conquistar al público y a la crítica, y que a dia de hoy, logra más que convencer.

16/12/11

"Eva al Desnudo" (1950) Vs "Showgirls" (1995)

Los rankings siempre son algo que nos gusta. No sé si será por esa manía que tenemos por clasificarlo todo, o por esa ansiedad que nos provoca el conocer quien ocupa el primer puesto de cualquier tipo de clasificación.

CINeol, página de visita obligada para estar al día de las últimas noticias cinéfagas, publicó el año pasado un ranking sobre "10 Películas sospechosamente parecidas a otras". Analizando esta peculiar lista, nos encontramos en el puesto 9 dos películas que personalmente figuran entre mis favoritas, pese a que en principio no tienen mucho en común: Eva al Desnudo & Showgirls.

Si, sé que es extraño que estos dos films (sobre todo el último) puedan figurar en un puesto preferente en mi universo cinéfilo, pero... ¿qué quereis que os diga? Nomi Malone siempre será Nomi Malone.


Años que las separan: cuarenta y cinco, suficientes para que tus hijos vayan a la universidad.

Parecidos: una joven que quiere hacerse un hueco en el mundo del espectáculo acude a la ciudad más indicada para ello y consigue un pequeño inicio junto a una gran estrella. Poco a poco va trepando en el mundillo hasta ocupar el lugar de la estrella en cuestión, gracias a su talento y a su ‘amistad’ con uno de los mayores potentados de la industria, un ascenso en el que abundan las zancadillas y las traiciones por ambos lados.

Diferencias: pese a lo que el título pueda indicar, en Showgirls hay más tetas, lo que viene derivado de la industria en la que se centra. Y follan más que hablan. De hecho, el talento se mide no por la capacidad de encarnar con convicción un papel complicado, sino por la capacidad de hacer que un tío se corra en los pantalones con un bailecito privado. Ah, la sutileza.

Otras películas relacionadas: Dale Caña que es Francesa y muchas otras películas de adolescentes, Chicago, Conociendo a Julia, El Valle de las Muñecas...

15/12/11

Dijo Miss Hepburn ...


"La muerte será un gran alivio, ¡No más entrevistas!"

 Katherine Hepburn, "La Arrogante"

13/12/11

Michael Wilding, el hombre de la sonrisa ladeada

Anoche, como todo los lunes, vimos en casa una de las pocas película de Miss Dietrich que nos faltan para completar su filmografía. En esta ocasión fue Stage Fright (1950), película de Alfred Hitchcock protagonizada  por Jane Wyman y Michael Wilding, que cuenta con una edición en DVD pésima, nada recomendable, con errores en la contraportada y con una selección de idiomas / subtítulos bastante "extraña".


Lo más destacado de la película fue ver de nuevo a Michael Wilding en su característico papel de misterioso seductor de sonrisa ladeada. Poco o nada conocía con anterioridad de este actor, visto en Torch Song (1953), donde hace el papel de un músico invidente que consigue exasperar a una muy subidita Joan Crawford.

Su nombre completo era Michael Charles Gauntlet Wilding, y nació en Leigh-on-Sea, Inglaterra. Wilding era un artista comercial de éxito cuando entró a formar parte del departamento artístico de un estudio cinematográfico londinense en 1933, iniciando al poco tiempo su carrera interpretativa.


Wilding actuó en numerosas películas británicas, a menudo junto a Anna Neagle, pero tuvo una carrera en Hollywood menos productiva que la de ella. Entre sus actuaciones para el cine se incluyen Sailors Three (1940), In Which We Serve (1942), Undercover (1943), Piccadilly Incident (1946), Spring in Park Lane (1948), Stage Fright (1950) y El mundo de Suzie Wong (1960).

Wilding se casó en cuatro ocasiones. Destacando su matrimonio con la actriz Elizabeth Taylor, que doblaba en edad. Con Miss Taylor tuvo dos hijos, Michael Howard Wilding y Christopher Edward Wilding.


En la década de 1960 Wilding se vio forzado a reducir su trabajo en el cine a causa de un estado de salud debilitado por la epilepsia que padeció a lo largo de toda su vida. Michael Wilding falleció en Chichester, Inglaterra, en 1979 a causa de las lesiones craneales que sufrió al caer por unas escaleras durante un ataque epiléptico.

7/12/11

"Clase B": otra forma de hacer cine

En estos días de "puentes" varios, unos amigos vinieron a cenar a casa, y antes de sacar los "Ferrero"  (en forma piramidal siempre) como toda anfitrión que se precie, estuvimos debatiendo qué películas nos gustaban y el porqué. Tras negarme a alabar Entrevista con el Vampiro, me comentaron que a mi siempre me gustaban los films de "clase B".

¿Hasta qué punto tenían razón? Y lo que es más importante, ¿qué es exactamente la "clase B" en el cine?

Las pelí­culas de “clase B” surgieron como respuesta de los estudios de Hollywood a la caí­da de público experimentada tras el crack de 1929. Para maximizar beneficios, las grandes Estudios optaron por ofrecer dos largometrajes por el precio de uno. El plato fuerte serí­a una lujosa producción de “clase A”; el “relleno”, un barato filme de “clase B”. Nació así­ una tipologí­a que serí­a adoptada por los propios estudios y generalizada a través del tiempo. Las pelí­culas de “clase B”, usualmente de género (westerns, gángsteres, terror o ciencia-ficción), se caracterizaban por su bajo presupuesto, contar con actores poco conocidos (o viejas glorias en las últimas) y rodarse en muy poco tiempo. Los grandes estudios tení­an unidades especializadas en pelí­culas de “clase B”, pero también habí­a pequeñas compañí­as como la Republic o la Monogram que se dedicaban a este tipo de cine.


A pesar de la denominación “clase B”, muchas de las pelí­culas que aparecieron por esos tiempos, se convirtieron en clásicos del cine, lanzando a directores y actores a la fama y al éxito. Pelí­culas como El último refugio (1940), que catapultó a Humphrey Bogart a la fama, o La mujer pantera (1941) que le dio la entrada a Jaques Tourneur para hacer grandes pelí­culas “clase A”.


El cine “clase B” también fue el campo de prueba de muchos directores. El cine “clase B” propició las condiciones para que los cineastas experimentaran y crearan nuevos lenguajes o abordaran temáticas menos comunes.

Tras la caída del sistema de estudios a finales de los años 50, pasó a llamarse “clase B” a toda pelí­cula de bajo presupuesto, y más tarde se convirtió en sinónimo de cine de baja calidad. Pero, a pesar de sus connotaciones peyorativas, muchas de las cintas de “clase B” que aparecieron en aquella época (La mujer pantera, Yo anduve con un zombi) se convirtieron en clásicos, lanzando a la fama a directores como Jules Dassin, Jacques Tourneur y Anthony Mann. Directores que, trabajando en la más absoluta precariedad, hicieron algunas de las mejores pelí­culas de su tiempo.


Como curiosidad, comentar que a finales de la década de los 50, se originó un subgénero del cine “clase B”, el “cine Z”, que tení­a un presupuesto aún más miserable y una edición más mala que su antecesor.

Por todo ello, y básandome en lo comentado anteriormente,afirmo pues que efectivamente me gusta y defiendo el cine de "clase B", entre otros muchos géneros. Surgiéndome la siguiente duda... ¿no podría considerarse, a día de hoy, cine de "clase B" a toda la bazofia que se proyecto en los cines, que pese a contar con un presupuesto mucho más abultado, tienen un argumento y un reparto que roza (y sobrepasa) la mediocridad? No, no creo que puedan equipararse ambos típos de films.

2/12/11

"Johnny Guitar" (1954)

En el último post, varios blogueros me recordaron una película que hace unos años que no veo.

Johnny Guitar.

Pese a que el género del western no es uno de mis favoritos, por el simple hecho de ver a Joan Crawford y Mercedes McCambridge actuar juntas (y llevándose a matar), merece la pena volver a visionar el film.

Johnny Guitar, parte de una obra de Ray Chanslor, aborda el mito fundacional del western y, por extensión, de la creación de los Estados Unidos como país. Vienna (Joan Crawford) ha instalado una casa de juego y bebida con la esperanza de que un futuro su negocio prospere con la llegada del ferrocarril. Para ambientar el local llama a su antiguo amante, el guitarrista Johnny Guitar (Sterling Hayden). Sus planes sufrirán la oposición de Emma Small (Mercedes McCambridge), una mujer que odia a Vienna y desea su marcha del lugar.

A continuación os dejo algunos de los carteles que sirvieron para promocionar el film (uno de ellos lo tengo colgado en el baño). Espero que disfruteis de nuevo de la película, y si todavía no la habeis visto, razón doble para disfrutarla.