11/7/12

Veronica Lake, la mujer de la mirada escondida

El Hollywood clásico es un no parar de historias dramáticas y fuertes personalidades tanto en sus ficciones como en las vidas de quienes lo forjaron. Una ligera panorámica a aquellos años nos muestra una larga lista de muñecos rotos, grandes estrellas olvidadas, suicidios y tragedias varias. En realidad, la Historia es ingrata y ha respetado a pocos, la mayoria cayeron en el más cruel olvido.

Para entender la historia de Veronica Lake hay que empezar por apuntar que fue uno de los mayores iconos de los 40, haciendo pareja artística con Alan Ladd (con quien rodaría cuatro films). En aquellos días de guerra dos marines descubrieron una isla volcánica al sur del Pacífico y la bautizaron con el nombre de Isla Veronica en su honor.

Su peculiar peinado (llamado peek-a-boo-bang) fue tan masivamente imitado por las jóvenes que el Departamento de Guerra de los EE.UU exigió a la Paramount que prohibiera el peinado a la actriz ya que, al taparles la mitad del rostro, las trabajadoras de talleres y fábricas de armamento sufrían accidentes y errores en su trabajo. La revista Life la declaró la artista de mayor éxito taquillero. Cobraba 4,500 dólares por semana y en un referéndum del Ejército norteamericano fue declarada la estrella femenina más popular. Como ella misma declararía: "En aquel tiempo nadie podía llegar más alto...".

Veronica era la viva imagen del cine negro de los años 40, delgada, con larga melena, voz grave y un cierto aire de misterio. De entre su legado destacan: Los viajes de Sullivan, El cuervo, La llave de cristal o La dalia azul. Era una de esas mujeres que aparecen a los quince minutos de metraje fumando y bebiendo en un club de jazz, lejos de ser la esposa ideal americana pero sin ser mala del todo.

Su auténtico nombre era Constance Frances Marie Ockelman, nacida en Brooklyn, Nueva York el 14 de noviembre de 1922. En 1940 se casó con el director artistico John S. Detlie con quien tuvo una hija y un aborto y se divorciaría tres años después. En 1944 se casó con el director André de Toth con quien tuvo otros dos hijos. Y en 1955 se casaría de nuevo con un músico llamado Joseph A. McCarthy. En los años 60 volvió a divorciarse y comenzó a vivir en hoteles baratos de Nueva York. Fue arrestada varias veces por embriaguez y escándalo pùblico

Pero a mediados de la década la decadencia llamó a su puerta irremediablemente. Su alcoholismo, el desinterés del público tras prohibírsele su original peinado, su expulsión de la Paramount, la demanda que su propia madre le puso por motivos económicos, su segundo divorcio...

Un periodista la encontró trabajando como camarera en el Martha Washington Hotel de Manhattan. Ella protestó que en realidad era una clienta, pero poco después confesó la verdad. Esa publicidad le proporcionó un triste regreso a los escenarios. En 1966, trabajó para la televisión como presentadora, en la ciudad de Baltimore; también apareció en un filme de pésima calidad: Footsteps in the Snow
Su salud física y mental declinó rápidamente, y a finales de los 60 se la encuentra en Hollywood, Florida, recluida por paranoia (al parecer afirmaba estar siendo investigada por el FBI).

Se rehizo, sin embargo, momentáneamente, y logró publicar una autobiografía: Veronica, recibiendo mucha publicidad y críticas positivas. Con sus ganancias, Lake coprodujo y protagonizó una película, la última: Flesh Feast (1970), cinta de terror de bajo presupuesto. En ese momento se trasladó al Reino Unido, donde contrajo matrimonio con un capitán de barco inglés llamado Robert Carleton-Munro que murió prematuramente. Él nunca sospechó que aquella camarera había sido tiempo atrás ni más ni menos que Veronica Lake. En 1973, regresó a Estados Unidos, donde tuvo que ser de inmediato hospitalizada. Enemistada con su familia e hijos, no recibía visita alguna. Ese mismo año de 1973, cerca de Burlington, Vermont, Lake murió a la edad de 50 años, con un diagnóstico de hepatitis e insuficiencia renal derivadas de su alcoholismo. Sus cenizas fueron esparcidas en las Islas Vírgenes.

Veronica Lake fue probablemente la mayor muñeca rota de Hollywood. La más rutilante estrella convertida en mera anécdota cinéfila. En su autobiografía afirmó: "Nunca deseé ser una estrella, nunca me lo tomé en serio. No podía vivir, no podía soportarlo, odiaba ser algo que, en realidad, no era. De haberme quedado en Hollywood habría terminado como Alan Ladd y Gail Russell: muerta y enterrada. Aquella ciudad de ratas los mató y sé que también me habría matado a mí".

9/7/12

Louise Brooks, la enigmática Lulú



Ella juega con los hombres...

Lo sabe


Ella es la primera mujer que baila charleston...

Lo sabe


Ella es llamada "la orquidea negra"...

Lo sabe


Ella vive adelantada a su época...

Lo sabe


Ella hace lo que quiere, cuando quiere y con quien quiere...

Lo sabe


Ella es única...

Lo sabe


"Siempre había considerado la belleza una maldición
porque se me consideraba una puta antes que actriz"

                                                                           -  Louise Brooks -

4/7/12

Suspiria, de Dario Argento

Puedo afirmar y afirmo que Suspiria, de Dario Argento, es una de mis películas favoritas. Sólo un genio como Dario Argento pudo crear este cuento de hadas macabro lleno de simbología conceptual, horror descarnado y belleza cromática. Única en su género, tanto en la forma como en el fondo, Suspiria revolucionó el terror y el Fantastique mundial gracias a su fuerza visual y a su sencillez conceptual, convirtiéndose en una obra de referencia dentro del género y siendo la prueba viviente de que, tanto antes como ahora, hay muchos caminos del terror que aún no han sido explorados y que esperan la visión de un gran autor para ser descubiertos.


Pero pongámonos en situación. En 1975 Dario Argento realizó un clásico del terror titulado Rojo Oscuro, un giallo perfecto que tuvo un éxito de crítica y público impresionante. Por ello, cuando Dario se puso a pensar en su próximo trabajo, no quería que la gente se pusiera a comparar ambas películas y por ello ideo una trama completamente diferente. Sabía que su siguiente proyecto tenía que ser algo nuevo, provocativo, absolutamente sorprendente e inesperado. Por ello, eligió el tema de la brujería, basándose en la vida de María Blavatsky, inventora de la teosofía, y de Gurdjieff, otro teósofo. A partir de aquí, Argento creó toda la mitología de las tres madres, compuesta por la madre de los suspiros, que es la más vieja de las tres y vive en Friburgo; La madre de las lágrimas, que vive en Roma y es la más hermosa; y la madre de las tinieblas, que es la más endiablada y vive en Nueva York. Juntas gobiernan el mundo desde tres casas. Pues bien, Suspiria es la historia de la primera madre, Mater Suspiriorum, y su escuela de danza .


Lo que hace única a una película como Suspiria es, sin lugar a dudas, el innovador y revolucionario tratamiento fotográfico de la imagen, una mezcla aparentemente caótica de colores fríos y colores cálidos inteligentemente desplegados a lo largo del film para arrancar sensaciones contradictorias, oníricas e intensas en el espectador. Argento quería para su película un color muy denso, parecido al technicolor de las películas de dibujos animados de la Disney de los años 30, y lo consiguió gracias a la colaboración de Luciano Tovoli, un maestro de la paleta que a golpe de colorines consiguió crear una atmósfera de irrealidad absoluta. El espectador no sólo ve los colores, sino que también se sumerge en ellos en una orgía de tonos y sensaciones malsanas y angustiosas, fruto del poder omnipresente de la madre de los suspiros.

En cuanto a la trama, Argento quería que los personajes de la película fueran niñas de doce años, pero la productora se negó, ya que en el guión las estudiantes sufrían todo tipo de torturas a manos de sus superiores y el escándalo subsiguiente sin duda dañaría el prestigio de la película. Para superar este problema, Argento hizo que sus personajes actuasen de manera infantil, sobre todo su protagonista, Jessica Harper. Además, Argento modificó los decorados para que los pomos y los quicios de las puertas estuvieran más alto de lo normal, para dar la sensación de que las protagonistas eran más pequeñas y creando así una sensación de irrealidad absoluta.


Poderosamente irreal también es el acentuado contraste entre los decorados interiores (claustrofóbicos, tortuosos y laberínticos) y las localizaciones exteriores (diáfanas, luminosas y deslumbrantes). Entre los primeros destaca el gran trabajo de Giuseppe Bassan, que a partir de ejemplos del art nouveau crea una serie de habitaciones inquietantes y llenas de misticismo. En cuanto a las localizaciones exteriores, destaca la belleza de la Plaza de los Tres Templos en Munich, donde el pianista ciego es asesinado con total impunidad.

Es cierto, que como la mayor parte de la filmografía de Argento, la película cuenta con escenas violentas y de alto contenido hemoglobínico. Pero en este caso sabe dosificar su frenesí degollador y a lo largo del film las escenas sangrientas están inteligentemente repartidas para que causen un mayor impacto en el espectador.


Otro elemento fundamental de la película es su espeluznante banda sonora, creada por Dario Argento en colaboración con el grupo Goblin. Aquí el tema central del film, una mezcla tenebrosa de acordes con connotaciones siniestramente infantiles.


Comentar para finalizar que se ha confirmado un remake de Suspiria que se comenzará a rodar al finales de año. El director elegido es David Gordon Green, y entre las posibles actrices protagonistas, se citan nombres como el de Natalie Portman, casi ná.

Y poco más puedo añadir de esta obra maestra. Suspiria es terror hecho cine, ni más ni menos.

23/4/12

El otro Rebelde. Sal Mineo


Salvatore Mineo Jr. nació en el barrio neoyorkino del Bronx el 10 de enero de 1939. Su padre era un inmigrante de Sicilia que se dedicaba a fabricar ataúdes.

El joven Salvatore tuvo una infancia problemática: expulsado del colegio a la temprana edad de ocho años, formó parte de una pandilla dedicada a cometer varios robos. Sus padres, tratando de apartarle de las calles, le matricularon a los diez años en una escuela de baile y arte dramático. Allí el joven Sal se apasionó de inmediato por el mundo de la danza y de la interpretación, dejando de lado a sus compañeros delincuentes. En varias oportunidades los alumnos de la escuela hicieron breves apariciones en programas de televisión. Una tarde, unos productores de Broadway lo vieron ensayando en la escuela, y era justo lo que andaban buscando, un niño italiano para actuar en "La Rosa Tatuada" de Tennessee Williams. Dos días más tarde lo contrataban para actuar, fue el comienzo de Sal Mineo, el actor de 11 años.

En 1951, ya con varios años de experiencia profesional, consiguió debutar y destacarse en Broadway gracias a producciones teatrales como "La Rosa Tatuada" y "The Little screwball", también en el musical "El rey y yo". Este musical llevaría a la fama a Yul Brynner. Luego trabajó con un joven Tony Curtis en "Six Bridges to cross".


A mediados de la década dio el salto al cine con pequeños papeles en "Atraco sin huella (1955)", de Joseph Pevney, "La guerra privada del mayor Benson (1955)", de Jerry Hopper y especialmente "Rebelde sin causa (1955)", película de Nicholas Ray protagonizada por otro grande, James Dean. En este filme, Mineo era el actor más joven de la película, interpretando el personaje del delincuente juvenil llamado Platón -el más recordado de toda su carrera- le llevó a ser nominado a la candidatura para el Oscar como mejor actor de reparto. De esta misma época son también los intentos del actor por convertirse en estrella del rock and roll, llegando a grabar varios singles e incluso un LP, que cosecharon discretas ventas.

El éxito de "Rebelde sin causa", lejos de lanzarle al estrellato, le consagró como idóneo para encarnar papeles secundarios en los que da vida a jóvenes perdedores marcados por un destino trágico.
 
Su carrera cinematográfica fue breve ya que murió muy joven, sin embargo fue actor de reparto en grandes películas donde cabe destacar "Gigante (1956)" de George Stevens, donde repitió colaboración con James Dean; "Marcado por el odio (1956)" dirigido por Robert Wise; en 1957 filma "Dino", donde se enfrenta a un padre golpeador y obtiene una muy buena crítica por su papel.

En 1958 interviene en "Tonka", una película de Disney ambientada en el lejano oeste donde interpretaba el personaje del guerrero comanche Búfalo Blanco, "Éxodo (1960)", de Otto Preminger, donde volvió a ser nominado como mejor actor de reparto. Mineo actuó también en la superproducción bélica "El día más largo (1962)" y "El gran combate (1964)", último western dirigido por John Ford.

A finales de la década de 1960, cansado de interpretar personajes similares y un tanto mayor para ellos, Mineo regresó al teatro, donde no se limitó a actuar, sino que incluso puso en escena la obra "Fortune and men’s eye", de John Herbert, en 1969.
 
Mineo desarrolló una prolífica carrera televisiva de apariciones estelares en muchas series como en: Combate: The Brothers, Ellery Queen, Joe Forrester, Historia policial, S.W.A.T., Misión: Imposible y Columbo.
 
Se dice que hizo una prueba para un papel en la película "Lawrence de Arabia" y no fue elegido. Su última participación en cine fue en 1971: un breve papel en la segunda secuela (3ª parte de la saga) de la película de "El planeta de los simios".
  
Sal Mineo fue acuchillado el 12 de febrero de 1976 cuando regresaba a su domicilio en West Hollywood después de un ensayo teatral. Tenía 37 años.

Su final coincidió tristemente con el tipo de papeles que acostumbró a dar en el cine.

20/4/12

El primer Oscar de Miss Taylor

"Una Mujer Marcada", de 1960, supuso el primer Oscar para Miss Taylor. El film es una adaptación de la novela Butterfield 8, publicada en 1935 por John O'Hara.


La historia se basa a su vez en un caso real de la muerte en extrañas circustancias de la prostituta de lujo del Nueva York de los años 40, Starr Faithfull, quien en la novela acaba arrojándose al mar desde un barco, y en el film, transformada en Gloria Wandrous, termina estrellándose en una accidente de automóvil. La película fue suavizada para poder cumplir las estrictas normas del Código Moral de Producción impuesto.

El film, un melodrama convencional, destaca básicamente por la interpretación de Miss Taylor, algo que sorprende, pues la actriz intervino obligada por el contrato que estaba a punto de expirar con la MGM. Por ello, y por miedo a las represalias que hubieran podido obligarla a no realizar su siguiente película con la Fox, "Cleopatra",  tuvo que someterse a la voluntad del estudio, pero, eso sí, bajo unas condiciones.

Miss Taylor obligó a la MGM a que, por aquel entonces su marido, Eddie Fisher, interviniera en el film con un pequeño papel. También exigió que Helen Rose diseñara su vestuario y que Sid Guilaroff la peinase. La actriz despreciaba el guión e intentó cambiarlo en todo momento, a lo que el productor se negó categóricamente, creando por ello todo tipo de problemas durante el rodaje. Laurence Harvery, el coprotagonista de la película, la consideraba una "arpía", aunque finalmente, al terminar el rodaje, se hicieron buenos amigos.

Una vez acabada la filmación, Miss Taylor, cuya afición por la bebida ya había comenzado, arrojó su copa contra la pantalla en la sala de proyección del estudio durante el visionado de la primera versión de la copia que pudo ver el equipo.

Embarcada ya en el rodaje de "Cleopatra", Miss Taylor tuvo que ser ingresada de emergencia en la London Clinic, donde un equipo de cirujanos la practicaron una traqueotomía para salvarla de la neumonía severa con la que ingresó.Tras su recuperación, en una cena en Los Ángeles, la estrella pronunció  un conmovedor discurso relatando su milagrosa salvación a un paso de la muerte, que pronto fue portada de todas las publicaciones, provocando, entre otras cosas, que su nombre apareciera entre las cinco candidatas a los Oscar por su interpretacion en "Una Mujer Marcada".

Un més después, tras cuatro nominaciones consecutivas, obtuvo la ansiada estatuilla de la Academia, consciente de haberla ganado por una interpretación inferior a los trabajos de sus dos anteriores films. Según dicen, incluso la propia Debbie Reynols, enemiga suya desde que Miss Taylor le arrebatara el marido, votó por ella, creyendo que se encontraba en las puertas de la muerte.

La actriz Shirley MacLaine, favorita de aquel año por su interpretación en "El Apartamento", llegó a declarar: "He perdido contra una traqueotomía".

16/4/12

Entrevista en "The Big Show" ft. Miss Dietrich

1950. La televisión había invadido la conciencia nacional, pero la radio seguía gobernando las ondas. Y aquel mes de noviembre Tallulah, comenzó a emitir su entretendo programa de radio, "The Big Show". Se emitía en directo cada tarde de domingo entre las seis y media y las ocho, y se convirtió instantáneamente en una adicción nacional. Para miles de lesbianas americanas de clase media y alta, el programa de Tallulah era el centro de un ritual social. Acompañadas por bebidas fuertes, se reunían alrededor de la radio para reirse con Tallulah y sus amigos y amantes, un animado grupo que incluía a Joan Crawford, Ethel Barrymore, Edith Piaf, Groucho Marx, Gary Cooper, y Judy Garland entre otros.

Una de las primeras invitadas, el 7 de enero de 1951, fue Marlene.


(...)

MARLENE. Ese traje que llevas, ¿De qué color es?

TALLULAH. Bueno, es un nuevo color; gris acorazado.

MARLENE. ¿Gris acorazado? Es encantador, ¿pero no te queda un poco apretado en la zona de la sala de calderas?

TALLULAH. Tendrías que ver los precios que te clavan por lo vestidos... Me clavaron en todas las tiendas de París...

MARLENE. Sí, oí que te clavaron en París...

TALLULAH. Marlene, por favor, dejemos estas tonterías. Vamos a seguir así indefinidamente... Dime, querida, ¿que le ocurrió a ese chico divino que salía contigo? ¡Geoffrey!

MARLENE. Oh, lo dejamos...

TALLULAH. ¿De verdad, querida? ¿Del todo?

MARLENE. No, sólo temporalmente. Se casó...

TALLULAH. Tienen la maldita manía de hacerlo. Mira, Marlene, tenemos que enfrentarnos a ello; el problema de los hombres empeora cada año.

MARLENE. Tienes tanta razón, Tallulah... No se lo admitiría a cualquiera, pero un dia de la semana pasada tuve que comer sola.

TALLULAH. ¡Nooooooooooooo! Bueno, si crees que eso es grave, ya que me has contado, te contaré algo yo. Un día, hace más o menos un mes, ¡desayuné sola!

MARLENE. ¡Qué vergüenza! Parece que los hombres están desapareciendo...

(...)

11/4/12

¿Pero qué engaño es esto?

Ultimamente, desde hace ya una temporada, vamos todos los lunes a la biblioteca del barrio a coger algunos DVDs para verlos durante la semana. La verdad es que en casa tenemos una bastante abultada coleccion de DVDs originales, y si a esto le sumamos que el Torrent en casa funciona casi 24 horas al día, cabría preguntarse el porqué. Difícil respuesta, digamos que todo cinéfago siempre quiere más de lo que tiene, asique siempre estamos a la búsqueda de films que no hayamos visto. De esta forma estamos visionando toda la etapa británica de Hitchcock.

El pasado lunes, entre otros DVDs, cogimos "La extraña mujer" (1946) con la grande entre las grandes Miss Hedy Lamarr. No sé por qué, pero ultimamente no paro de leer sobre ella, además de sobre otra grande, Miss Tallulah Bankhead.

El caso es que conociendo ligéramente el argumento del film, me dispuse a leer el breve resumen que todo DVD trae en un reverso. Decía lo siguiente:

"Ángel, una famosa cantante de cabaret, se casa con un esforzado cantante. Ella usa sus contantos para ayudar a su esposo a conseguir el éxito. Ángel empieza a beber y a medida que su marido su hace más famoso, ella se hunde más en la bebida... "         

Fijándose en la descripción del film, resulta un tanto curioso eso de "esforzado cantante", como muy telenovelesco. Pero me llamó la atención, además del cartel del film, un tanto sinsentido, pero llamativo al fin y al cabo.
Edición de Suevia Films

Ayer vimos la película, y cual fué nuestra sorpresa al darnos cuenta que el argumento no tiene absolutamente nada que ver con su descripcion. De hecho, la sinopsis adecuada sería:

"Bangor, 1824. Jenny Hager, gracias a su arrolladora belleza, es capaz de manipular a los hombres a su antojo y conseguir de ellos todo lo que se propone. Tras casarse con un acaudalado comerciante, Jenny no tardará en seducir al hijo de éste con el fin de inducirle al asesinato de su padre, mientras por otro lado se encapricha del prometido de su mejor amiga... "

Y yo me pregunto... ¿quien era esa tal Ángel, famosa cabaretera como pocas?, ¿porque su marido, pese a ser un esforzado cantante, no logra el éxito en un primer momento?, ¿qué encantos usaba Ángel?, y sobre todo... ¿pero qué engaño es esto?

Indagando un poco, averigüé que la edición del DVD que había visto era de Suevia Films, una distribuidora, que aunque nos deleita con films clásicos que de otra forma sería imposible conseguir, muchas veces la calidad de dichos films dejan bastante que desear. No complendo que sea tan complicado al menos saber de qué trata el film de un DVD que estás vendiendo, me parece lo mínimo que uno puede pedir, teniendo en cuenta el precio de los mismos, y tanta ley Sinde y tonterias varias.

Edición de Versus

Afortunadamente, la edición de Suevia Films se encuentra descatalogada, y hace un par de años Versus, dentro de su colección Cinema Bis, editó de nuevo el film con una edición bastante competente.

Pese a todo lo dicho, film muy recomendable. Os animo a descubrir el lado mas cinematógrafico de una femme fatale, como Miss Lamarr.



9/4/12

En Neorrealismo Italiano. Parte II

ASPECTOS FORMALES

¿En qué radica su sustancial diferencia con lo anteriormente realizado en el séptimo arte para que este “movimiento estético”  sea elevado a los altares de arte con estilo propio?:

1. El contenido: para entender el contenido del cine neorrealista hay que hacer una pequeña reflexión sobre su antecedente inmediato, es decir, la cinematografía italiana del período 1930-1943. Marcada por el signo del fascismo, es decir, por la censura, el arte cinematográfica no podía levantar un vuelo sostenido más allá de la atenta vista avizor de sus guardianes. Las películas no podían mostrar la delincuencia o la pobreza y tampoco estaba permitida la sátira; se trataba de dar la imagen de una nación intachable y perfecta. Las producciones, por lo tanto, debían ser constreñidas a historias sin trasfondo social, con un simple fin de divertimento y siempre utilizadas como instrumentos de propaganda del régimen.

Desde 1945 (con la derrota militar y en plena guerra civil) se observa un giro en las producciones audiovisuales, donde unos se decantaron por un mero formalismo o decorativismo insustancial (como Soldati, Castellani, Lattuada, Poggioli o Alessandrini) y otros, en cambio, más radicales, como por ejemplo Lizzani tomaron el camino de la crítica social encubierta bajo un tono realista llevado más allá de una simple formulación de principios. Sea como fuere, el hecho es que el neorrealismo pronto advirtió un registro y tono muy diferente al conocido durante la etapa fascista.

De este modo, el más significativo elemento que permite comprender el efecto de "ruptura" de los primeros largometrajes del nuevo movimiento, como "Roma, citta aperta" (Rossellini, 1945) o "Sciusciá" (De Sica, 1946), es que en ellos se refleja con total transparencia la Italia triste, en blanco y negro y hambrienta de la posguerra, la resistencia y los caídos en la contienda. Sin embargo, esta temática no supone, ni mucho menos, una novedad de la historia del cine. La verdadera grandiosidad de este movimiento se refiere específicamente a su estilo. S. Chatman asevera en su magistral Historia y discurso que todo relato se basa en un qué (contenido semántico o historia) y un cómo (trazos formales y estéticos o discurso), de ahí la inseparable dicotomía entre ambos, quienes, en visión ecléctica u holística, significan más en conjunto y a partir de su unión de lo que la simple adición de sus partes confortantes podía aportar.

2. El estilo: En este campo también se produjo una ruptura total con el cine elaborado hasta 1945. Se pasa del espectáculo, las estrellas y los grandes estudios, a un “nuevo cine”, que sacrificaba abiertamente la perfección técnica a favor de la eficacia de la expresión directa.

En términos generales, las innovaciones que introdujeron los cineastas neorrealistas al lenguaje audiovisual fueron, entre otras y principalmente, las siguientes:
  • El sentimiento sobre la imagen: Siguiendo la línea del cine de Charles Chaplin, el neorrealismo da más importancia a los sentimientos que a la composición icónica, pero sin despreciar ésta. Se otorga mucha importancia al guión como foco fundamental de expresión, por lo que el peso de los diálogos es fundamental. Suelen utilizar el dialecto como forma de lenguaje más esencial y más auténtica, lo que conecta perfectamente con la idea de retratar la realidad tal y como la perciben.
  • La muerte del actor: Se basa en la idea, ya mencionada, de presentar la realidad sin ningún artificio. Así, no es de extrañar que uno de los “estandartes” del neorrealismo fuera el de: "¡Abajo las estrellas!". El cine, como ya había experimentado Frederich Murnau, no necesita de actores, sino de hombres y mujeres que narren su propia vida, que no actúen, sino que se comporten como son y que se encarnen a sí mismos. Se trata de una ecuación de base paritaria ser = parecer. El actor, nos dice el neorrealismo, no debería existir, pues cada uno debe ser el intérprete de sí mismo, y el querer que un hombre recite lo que experimenta otro es falsear la realidad.
  • Dos nuevos tipos: la mujer y el niño: El cine neorrealista, como hemos comentado, utiliza (arque)tipos, en vez de actores. Introdujo, además, dos no muy utilizados anteriormente. El primero de ellos fue la mujer, debido a que, durante los últimos años de la guerra, el cine italiano apenas contaba con intérpretes femeninas. Esto se ve con total claridad en filmes como: "Nosotras las mujeres" o "Roma a las once". El otro tipo que introduce es el niño, elemento influenciado (una vez más) por el cine de Charles Chaplin (The kid, 1921). El cual fue perfectamente explotado en películas como "Ladrón de bicicletas" (1948) o "Milagro en Milán" (1950), ambas de Vittorio de Sica.
  • El recurso de la improvisación: Es un recurso indispensable de este estilo cinematográfico, ya que para describir la realidad hay que entender su naturaleza dinámica. Por ello, no hay rigidez, todo es flexible y cambiante. Ejemplo de ello es la película "Paisá" (1946, Rossellini), en la que el director únicamente dejó preestablecido antes de grabar, el lugar del rodaje. Después hizo transportar allí todo el equipo, reclutó actores no profesionales en el momento y realizó entre ellos encuestas para precisar el curso que debía seguir el argumento.
3. La posición moral: Es el alma mater que mejor define este movimiento. Todas la cintas expresan una fulgurante necesidad de sinceridad, de descripción cruda de la realidad; Y siempre con un fin didáctico a nivel moral. Muchos de los directores neorrealistas eran cercanos al Partido Comunista Italiano, que tantos fieles arrastró durante décadas en Italia. El cine neorrealista tiene una serie de principios morales (entre los que destaca la importancia del hombre) que siguen una línea de origen
cristiano. Así se ve, en toda la obra de Rossellini o Pasolini (homosexual, católico y comunista), marcada por la caridad, o en la de De Sica, marcada por la solidaridad.

4. El sentido de protesta: Cuyo objetivo era impulsar la séptima arte no como una forma de entretenimiento, sino como método de crítica, como instrumento político. El Nuevo Realismo pretendía hacernos reflexionar sobre nosotros mismos, nuestras creencias y prejuicios, y romper el muro que separaba la Italia deprimida de la próspera modernidad.

3/4/12

Y con ella llegó el escándalo...Tallulah Bankhead

Tallulah Bankhead fue un icono de la provocación. Una mujer de los años 20, no sujeta a las reglas que dictaban los hombres. Una actriz que vivió de forma extrema y nunca tuvo problemas para expresarlo, haciendo apología de sus diversos vicios. Suya es la frase "la cocaína no crea adiccion, lo sé porque llevo tomándola desde hace años" y la no menos popular "si volviera a nacer cometería los mismos errores, pero mucho antes".


Tras esa frívola imagen de mujer fatal había una mujer de pasiones irrefrenables, a la que no pudo vencer su educación en un convento ni los tabúes de una sociedad hipócrita, dispuesta a vivir y amar más allá, con toda la intensidad necesaria, no privándose del uso de substancias artificiales que le proporcionasen el ansiado y probablemente nunca saciado placer.

No destacó por su carrera en el cine (Marlon Brando decía que fue debido a sus adicciones al alcohol y al sexo), ya que no quiso ceder a la presión y el acoso de las estrellas como John Barrymore, por quien perdió su primer papel importante (Dr. Jekyll & Mr. Hyde, 1920) al no querer acostarse con él. Intentó triunfar en Broadway, pero fue en Londres donde consiguió convertirse en una estrella. En su corta carrera cinematográfica podemos destacar títulos como Honor Mancillado (Tarnished Lady, 1931) de George Cukor, Náufragos (Lifeboat, 1944) de Alfred Hitchcock y La Zarina (A Royal Scandal, 1945). Tras ésta película tardaría 10 años en volver a Hollywood, centrándose en su carrera teatral. Su último papel fue en la serie Batman en 1966.

Pero lo más jugoso de Tallulah sigue siendo su forma de ser y actuar en cada momento. En una ocasión en que un periodista le preguntó que habría sido de no ser actriz ella respondió “dudaba entre madre superiora, puta y presidente de los Estados Unidos. ¡Espero que pongas en tu libreta que habría hecho de maravilla las tres cosas!”. En otra ocasión un doctor le recomendó para superar su alcoholismo que tomara una manzana cada vez que sintiera la necesidad de agarrar la botella, a lo que Tallulah respondió: "¡Pero doctor!, ¿sesenta manzanas al día?". También son multitud las anécdotas que forman la mitología de la estrella, en una fiesta a la que acudió como invitado Truman Capote propuso que todos los invitados se bañaran en la piscina. Ella apareció vestida sólo con sus perlas, decía que lo hacía para demostrar que era una rubia natural.

Solía acudir a los rodajes de sus películas sin ropa interior, lo que generaba gran alboroto. En el rodaje de Náufragos el equipo se quejó del desmesurado exhibicionismo de Tallulah, a quien le gustaba dejar ver lo que escondía bajo la falda. Hitchcock, con su iniguable flema británica repuso no poder resolverlo porque no sabía a qué departamento acudir, vestuario o peluquería.

Entre los muchos amantes de Tallulah hay hombres y mujeres de todos los credos y razas, entre ellos Marlon Brando, Mercedes de Acosta, la más conocida de las amantes de las estrellas, quien también compartió lecho con Greta Garbo y Marlene Dietrich, también tuvo una relación con una actriz más joven, la bella Lizabeth Scott, que inspiró la que mantienen Ann Baxter y Bette Davis en Eva al desnudo. Tenía fijación por las mujeres negras, tuvo un romance con Hattie McDaniel, la inolvidable Mammy de Lo Que El Viento Se Llevó (Gone With The Wind, 1939), primera actriz negra en ganar un Oscar y con la genial cantante Billie Holiday.

Perdió grandes papeles de Hollywood debido a sus adicciones, es el caso de Encuentro en la Noche (Clash by Night, 1952) que en su adaptación al cine por Fritz Lang contó con Barbara Stanwyck para el papel principal pese a que Tallulah lo había interpretado en Broadway. Tampoco consiguió el papel de la versión cinematográfica de Eva al Desnudo (All About Eve, 1950) de Joseph L. Mankiewicz, pese a haber bordado el papel en la versión teatral. En este caso el papel fue a manos de Bette Davis, una de sus mayores rivales. Bette también le "robó" el papel de La Loba (The Little Foxes , 1941) de William Wyler. Refiriéndose a ella dijo: "no creais que no se quién ha estado contando cotilleos sobre mí... después de todas las cosas buenas que he hecho por esa arpía, ¡cuando la coja, voy a arrancarle cada pelo de su bigote!".

Independientemente de su escandalosa vida privada, o tal vez gracias a ella, Tallulah fue un personaje muy popular. De hecho existe un pueblo en Luisiana llamado Tallulah porque en los años 30 ella pasó una noche allí. Su último e involuntario legado, fue inspirar uno de los personajes más bizarros y demoníacos de la animación, la Cruella de Vil de 101 Dálmatas. Pero ningún homenaje es suficiente para la mujer que dijo "decid cualquier cosa de mí, mientras no sea aburrida".

2/4/12

En Neorrealismo Italiano. Parte I

El cine neorrealista italiano ha sido elevado al concepto de estilo artístico del séptimo arte. Su origen se encuadra en los años inmediatamente anteriores y posteriores al fin de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

¿Movimiento o escuela?. Si atendemos al puro concepto cinematográfico, nos hallamos ante un tipo de cine desarrollado por una serie de directores y autores en forma de acciones colectivas e individuales. Reacción declarada al régimen fascista de Mussolini, que Italia sufrió desde 1922 a 1945, y que concluyera con el fusilamiento de éste al norte de Italia mientras trataba de huir camuflado con soldados a la neutral Suiza. En este caldo de cultivo surgió el llamado “nuevo cine italiano”, que emprendió rumbos estilísticos totalmente distintos a los políticamente correctos de la época de la hegemonía fascista.

No es árbol el cine de un solo fruto: Junto al neorrealismo, aparecieron dos corrientes cinematográficas con el mismo denominador común: la oposición al cine propagandístico del régimen. La primera, es la llamada corriente de los calígrafos, donde destaca el director Alberto Lattuada (Giacomo el idealista, 1943) y cuyo rasgo principal era la adaptación de obras literarias antiguas al medio audiovisual, corriente ésta muy al gusto de los primeros pasos cinematográficos ítalos. La segunda, es la línea de la objetividad documental, denominada así por su enconada crítica a la objetividad oficial (marcada con la figura del héroe) que llevan a cabo. Sin embargo, “il nuovo stilo” que más repercusión tuvo en el cine extranjero y que produjo mejores largometrajes es el Realismo Nuevo (“Neorrealismo” como denominación del nuevo concepto).

EL TÉRMINO

El nombre de neorrealismo fue utilizado por primera vez por el intelectual Norberto Barolo, para referirse a una película francés (El muelle de las brumas, 1938, de Marcel Carné) que más tarde se encuadró dentro del otro realismo, el tildado de poético (descripción de la realidad utilizando la sensibilidad propia de la poesía).


No obstante a quien consideramos como avanzado y que aplicó el término neorrealismo a la nueva corriente cinematográfica surgida en la Italia de la posguerra fue Umberto Bárbaro, crítico y guionista de cine que recuperó el término de Barolo en un artículo de la revista II Film (Roma), en 1943. Bárbaro analiza en el artículo “El muelle de las brumas” lo interesante que sería tratar la realidad del mismo modo que se hace en la citada película. Fue un hallazgo casual, pero muy efectivo. Se denominó neorrealismo porque se trataba de un "nuevo" realismo italiano (en este sentido, el maestro Visconti rechazaba absolutamente el prefijo "neo") que nada tenía que ver con el realismo de la época silente italiana (títulos como Assunta Spina, de Gustavo Serena, y Sperduti nel buio, de Nino Mortoglio).

Al contrario que en otros países como Francia o la antigua Unión Soviética, en Italia no se heredó la influencia de los grandes directores rusos como Pudovkin o Eisenstein, sino que apareció un estilo estrictamente nacional, intransferible e italiano. Así, en cada una de sus obras se respira esa "italianeidad", tanto en el aspecto formal como en el temático.

Es importante entender que el prefijo "neo" no se refiere a las obras nuevas del cine italiano en relación a las del período anterior a la guerra, sino a la nueva realidad (quizá antigua como la vida misma, pero sin los edulcorantes de los fascios de combattimento) de la vida nacional que se convirtió en el tema por excelencia de esta corriente cinematográfica.

El neorrealismo cambia la visión de la séptima arte como mera forma de distracción para, haciendo honor a su nombre, convertirse en una herramienta de polémica y crítica social a la situación de posguerra que sufrió Italia durante y sobre todo tras la Segunda Guerra Mundial.

7/3/12

El Cine Italiano, ese gran desconocido

Debo reconocer que poco o nada conocía del cine italiano hasta hace unas semanas. Apenas había visionado la obra de Dario Argento, aunque es cierto que como nos pasa a todos, cuando me citaban nombre de directores de cine italiano, tales como Rossellini, Fellini, Da Sica,... me sonaban, pero nunca me había animado a profundizar en sus películas claves.

De modo que uno de los muchos propósitos de este año fue conocer, al menos, las obras claves de la historia del cine italiano. Es importante matizar que la mayoría de estas obras tienen un punto en común... su duracion ¡¡ ¿Por que la mayoría de las películas italianas duran más de 2 horas? No es que me importe ver films de más de dos horas, pero hay que planificar muy mucho cuando verlas para que no te den las tantas.

Por el momento no puedo tener una visión global del cine italiano, apenas he visionado algunos films de los directores citados anteriormente, pero prometo analizar las obras claves del cine patrio italiano, o al menos, las obras que más me hayan gustado.

Haciendo un poco de historia, en 1930 nace la primera película sonora italiana, "La canción del amor", inspirada en un cuento de Pirandello y realizada por Gennaro Righelli. Asentando las bases del neorrealismo que el cine italiano toma conciencia, enfatizando en sus capacidades expresivas.

De Sica, Rossellini y Visconti crean películas con contenidos universales, en un estilo moderno y con una estructura narrativa fuerte y reconocible. Obras como "Roma ciudad abierta" y "Paisà" pasan a formar parte de la memoria colectiva, formando generaciones de espectadores. La atención crítica hacia la sociedad, el lenguaje novedoso y la popularidad, son los tres elementos que permitieron el éxito del cine italiano a partir del neorrealismo: elementos que volvemos a hallar en las comedias “a la italiana” del decenio siguiente o, por lo menos, en las mejores obras de directores como Mario Monicelli, Pietro Germi, Antonio Pietrangeli y Dino Risi.

Por otra parte, el cine italiano de los años ’60 es también el cine experimental de Michelangelo Antonioni, el cine de vanguardia de Mario Bava y Sergio Leone, y el cine poético de Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. "La dolce vita" representó un fenómeno extraordinario, incluso en al ámbito de los usos: a la representación de una realidad violenta y difícil –la del neorrealismo- sucedía la descripción de un mundo lujoso y deslumbrante, vacío y pobre en ideales. Anita Ekberg -entrando con su seductor vestido de fiesta en la fuente de Trevi- ingresó en la historia del cine, transformándose en una leyenda.

También son sumamente importantes el cine literario de Luchino Visconti y el cine político y polémico de Bellocchio y Ferreri. Todos ellos, autores que ejercen su influencia sobre los directores de cine de todo el mundo.

Asique después de todo lo dicho, una de Cine Italiano ¡¡¡¡

5/3/12

Rosalind Russell, la chica inadvertida

Miss Russell puede ser tu vecina de al lado.

Y por ese motivo no reparé en un primer momento en ella. Es cierto que la ví en varias películas, normalmente como secundaría, pero nunca me había llamado la atención hasta tal punto de investigar sobre su filmografía y sobre su vida en general.

Por todo ello, Miss Russell, con nombre y apellido sonoros como pocos, se merece que no nos olvidemos de ella, pues pese a no ser el prototipo de mujer sexy o mujer fatal, se consolidó durante los años 40, como una de las mejores actrices de su época, destacando en la denominada "alta comedia".

Rosalind Russell nació el 4 de Junio de 1907 en Waterbury, Connecticut (Estados Unidos), en el seno de una amplia y adinerada familia, siendo su padre un prestigioso abogado y su madre una conocida periodista.

Después de concluir sus estudios universitarios, Rosalind inició su instrucción interpretativa en la American Academy of Dramatic Arts de Nueva York.

Tras aparecer en varias funciones de Broadway se introdujo en la industria cinematográfica logrando un contrato en 1934 con la Metro Goldwyn Mayer.

Debutó en la película "Evelyn Prentice" (1934), un film dirigido por William K. Howard.
En la segunda mitad de la década de los 30 Rosalind fue progresando en su estatus cinematográfico. "Mares de China" (1935) de Tay Garnett, "La mujer sin alma" (1936) de Dorothy Arzner, "Trouble for two" (1936) de J. Walter Ruben, "Bajo dos banderas" (1936) de Frank Lloyd, "Al caer la noche" (1937) de Richard Torpe, "La ciudadela" (1938) de King Vidor o "Mujeres" (1939), título dirigido por George Cukor, fueron films importantes dentro de la primera etapa de su carrera.

Los años 40 fue su mejor período como actriz interpretando a enérgicos personajes femeninos dentro, en su mayoría, de un contexto propicio para la comedia. "Luna Nueva" (1940) de Howard Hawks, "Huellas femeninas" (1941) de Van Dyke, "This thing called love" (1941) de Alexander Hall, "Ella y su secretario" (1942) de Mitchell Leisen o "Sister Kenny" (1946) de Dudley Nichols son algunos de sus títulos más destacados.


Rosalind fue nominada al Oscar en esta década en tres ocasiones: "Los caprichos de Elena" (1942), "Sister Kenny" (1946) y "Mourning becomes Electra" (1947).

También en los años 40 estabilizó su vida sentimental al casarse con el productor Frederick Brisson el 25 de octubre de 1941. Brisson le produjo cuatro films: "The Velvet Touch" (1948), "Never wave at a WAC" (1952), "The Girl Rush" (1955) y "Ejercicio para cinco dedos" (1962). La pareja sólo tuvo un hijo al que llamaron Lance (nacido en el año 1943).

Además de sus trabajos para el cine, Rosalind Russell regresó al teatro y con éxito, ya que le fue concedido el premio Tony en 1953 por su actuación en "Wonderful Town".


Las películas más importantes de Rosalind en su última etapa como actriz (en los 50 y 60 apareció con intermitencia en la pantalla grande, prevaleciendo más sus representaciones teatrales) son "A Woman Of Distinction" (1950) de Edward Buzzell, "Picnic" (1955) de Joshua Logan, "Auntie Mame" (1958), película dirigida por Morton Da Costa que le valió su última nominación al Oscar, "La Reina Del Vaudeville" (1962), musical de Mervyn LeRoy en el que interpretaba a la madre de Natalie Wood, "Oh, Dad, Poor Dad, Mama's Hung You In The Closet And I'm Feeling So Sad" (1967) del dúo Richard Quine/Alexander McKendrick y "Rosie" (1967), un título de David Lowell Rich.

A principios de los 70, se retiró de la gran pantalla continuando su feliz vida marital junto a su esposo Frederick Brisson y sufragando económicamente a varias asociaciones de caridad. Por esta contribución financiera le fue concedido el premio Jean Hersholt en 1972.

Rosalind Russell murió el 28 de noviembre de 1976 en Los Angeles a causa de un cáncer de mama. Tenía 69 años.

27/2/12

Comienzo de un nuevo Ciclo

Dicen que en la vida todo es un ciclo detrás de otro. Situaciones que van y que vuelven, personas que va y que vuelven, e incluso películas que van y que vuelven.

Durante el pasado mes he cerrado un ciclo laboral iniciado hace ya demasiado tiempo. Un ciclo alejado de mi recorrido natural, y que, pese a ser un ciclo pensado para durar unos pocos meses, el ciclo fue creciendo y creciendo hasta que o bien se instalaba en mi vida de forma permanente, o debía expulsarme de él cuando antes. Esta última decisión ha provocado mi "abandono" momentaneo cinéfago, pero de nuevo aquí con nuevos temas y más fuerzas, si cabe.

Y como de ciclos parece que va hoy el día, iniciamos la semana pasada en casa el Ciclo Alfred Hitchcock.

Todos hemos visto films de Sir Hitchcock, pero tras leer varias biografías y un puñado de libros sóbre su persona, me apetecia dar de nuevo un visionado de sus films, desde la perpectiva del conociento de sus historia, y fijándome en esos detalles que en un primer momento a todos se nos escapa.


La primera película elegida ha sido Blackmail, 1929 ("La muchacha de Londres")

Blackmail me ha dejado una buena impresión general, aunque comienza de una manera un tanto extraña. Los primeros 8 minutos son de película ¨muda¨, podemos ver a los personajes hablar pero solo por el movimiento de los labios. La velocidad del film siendo notablemente elevada, veremos a las personas caminando de una manera casi cómica. Más tarde el movimiento se normalizará. Por cierto, esos primeros 8 minutos parecerían no tener mucho que ver con la trama, son escenas de policías realizando su trabajo. Demasiado tiempo si la idea era sólo familiarizarnos con el ambiente policiaco. Aquí hay que aclarar que este film se considera el primero en el Reino Unido que ya era hablado, de ahí quizá la necesidad de improvisar algunos aspectos. La mayoría de las salas no disponían de el equipo adecuado para transmitir el sonido e incluso la voz de Anny Ondra -quien interpreta a Alice- tuvo que ser descartada por su marcado acento checo. Si la película hubiera sido ¨muda¨ ese detalle hubiera sido intrascendente.

Alice comete un error, aceptar la invitación de un hombre después de pelearse con Frank su pareja sentimental y que es detective. El hombre - de apellido Crewe y quien es pintor- la encuentra en un restaurant, sabe que ella tiene novio y que ha preferido acudir a su encuentro. Cuando un rato más tarde ella le acompaña a su departamento y feliz juega con los pinceles y un cuadro que están en una área de el departamento, él empieza a tocar el piano. Ella se toma cada vez más confianza que es interpretada por el hombre como una aceptación a algo más íntimo. Ella le rechaza y forcejean, tomando la joven un cuchillo que había en una mesa y matándole. Posteriormente huye olvidando en la escena un guante. Un hombre en la calle le ha visto entrar y sabe quien es ella así como donde vive y trabaja. Por si esto fuera poco, su novio es asignado como investigador a el caso y encuentra el guante reconociendo que era el de ella.

Aquí comenzará un conflicto entre Alice, que lucha con su conciencia. El desconocido, que quiere chantajearle pues le vió entrar junto a el hombre que fué asesinado. Y Frank el novio, que quiere protejerla de ese chantaje y a su vez evitar que se declare culpable y sea enviada a prisión.


Personalmente, y tras conocer parte de su obra, se puede indicar que este primer film sonoro de Hitch asenta las bases de su posterior manejo sonoro del que hacía uso en sus posteriores films. Pero ello no lo excluye de contar con un guión un tanto flojo, y de una trama que, aunque promete en las primeras fases del film, no va más alla, y no logra atrapar al espectador, o al menos a mi.

Nota: 5.

24/1/12

El fin de un Ciclo; el Ciclo de Miss Dietrich

Anoche cerré un Ciclo. Como ya sabeis, durante todo el año pasado, y lo poco que llevamos de este, todos los lunes hemos visionado en casa alguna película de Miss Dietrich. En todos estos meses hemos visto más de 25 películas, y aunque esto no abarca toda su filmografía, sí gran parte de ella. Nos ha sido imposible conseguir esa veintena de películas rodadas en Alemania durante los años 20, y hemos considerado obviar algunos cameos de sus últimos films.

Si la primera cinta del Ciclo fué la versión inglesa de El Ángel Azul (1930), no podíamos acabar de otra forma que no fuera con la versión alemana del mismo film. ¿No os parece que hay escenas que son modificadas significamente en ambas versiones? Es decir, ¿escenas que aparecen en un film y en el otro no...?

Durante todos estos meses hemos podido observar la evolución de la actriz, empezando su carrera siendo apenas una estudiante y terminándola como la gran estrella que fué, es y será. Sin olvidarnos, por supuesto, de todas canciones las que Miss Dietrich no ha deleitado en gran parte de sus films. Canciones siempre con ese punto provocador del que ella siempre alardeaba y que ruborizaba al resto.

Por todo ello, y despues de tener una visión más o menos objetiva de su filmografía, me voy a atrever a citar mi Top 5. No ha sido fácil elegir solo un puñado de sus interpretaciones, y posiblemente, al volver a ver en un futuro sus películas pueda apreciar detalles que se me han escapado, en ese caso, volveré a realizar otro Top 5 :)

El Ángel Azul (1930). Narra la tragedia de un severo profesor (Jannings) que una noche va a "El Ángel Azul", un cabaret de mala fama, para llevarse de allí a sus alumnos, que acuden al local seducidos por los encantos de la cantante Lola-Lola (Dietrich). Sin embargo, el profesor Rath, un solterón de 50 años, acaba cayendo en las redes de la cabaretera. A partir de entonces, su vida será un descenso a los infiernos de la humillación y de la degradación moral.


El Expreso de Shangai (1932). Ambientada en un viaje en tren que hace el trayecto desde Pekin a Shangai durante 1927, relata la historia de una mujer de dudosa reputación (Dietrich) que causa el desmoronamiento de un caudillo chino para salvar la vida y reputación del hombre al que ama.



Deseo (1936). Tras cometer un robo, una ladrona de joyas (Dietrich) huye de Francia y, para no levantar sospechas, embauca a un ingeniero americano (Cooper) que está de vacaciones por España.



Siete Pecadores (1940). La cantante de cabaret Bijou (Dietrich), expulsada de varias islas del Océano Indico por suscitar peleas, recala en Boni Komba para trabajar en el Café Seven Sinners. Tiene mucho éxito entre los marineros americanos, especialmente con el Teniente Dan Brent. Cuando Dan le propone matrimonio, su carrera y su vida correrán peligro.


Berlín Occidente (1948). Un comité de congresistas de los Estados Unidos se traslada al Berlín de la posguerra para investigar la moral de las tropas norteamericanas. Entre ellos, la más metódica, una estricta congresista de Iowa que, preocupada por los hechos que se están produciendo, decide investigar quién está protegiendo a una cantante de cabaret acusada de confraternizar con los nazis durante la guerra.

16/1/12

Reyes Magos y Cinéfagos

Como todos los años, a estas alturas de enero, ya nos hemos "librado" del empacho de las Navidades, que aunque personalmente me gustan, reconozco que la llegada de la monotonía del día a día tambien es de agradecer.

Este año, los Reyes Magos han venido cargados de material cinéfago, que para eso son Reyes, y han hecho caso de la exhaustiva carta enviada hace ya casi dos meses. La carta pedía lo siguiente:

Libro. La Hammer. Aut. Javier Memba. Ed. T&B Editores, 2007. Heredera de los mitos clásicos del cine de terror puestos en marcha por la Universal , la Hammer ejerció su magisterio en todo el cine fantástico desde mediados de los años 50, cuando el éxito de El experimento del doctor Quatermass (Val Guest, 1955) le procuró el reconocimiento de los aficionados del mundo entero, hasta dos décadas después, cuando tras el estreno de El exorcista (William Friedkin, 1973) los endemoniados desplazaron a los vampiros, los licántropos y los doctores locos del parnaso del escalofrío fílmico.


Libro. De Caligari a Hitler, una historia psicológica del cine alemán. Aut. Siegfried Kracauer. Ed. Paidos Ibérica, 1995. Este nombre y este título han sido durante mucho tiempo punto de referencia obligado para todos aquellos que se dedican a estudiar el cine como un arte del siglo XX. En su libro, Kracauer aborda el período más rico y espectacular del cine alemán y, por extensión, uno de los más importantes del cine mundial: el que va de 1919, año de la aparición de El gabinete del Dr. Caligari, a 1933, año de la subida al poder de Adolf Hitler. Es el período del expresionismo, de la formación de un lenguaje, de la consolidación de un arte que Kracauer analiza desde un punto de vista nuevo: el que le ofrecen los útiles teóricos del marxismo y el psicoanálisis.


DVD. Serie completa de La Familia Monster. Telecomedia producida por la cadena CBS y transmitida originalmente entre los años 1964 y 1966, contando con 70 capítulos y dos temporadas. Basándose en la serie original se realizó años más tarde la película Munster Go Home. Está considerada como una serie de culto y ha sido repuesta numerosas veces en todo el mundo.


DVD. El Gabinete del Doctor Caligari. Dir. Robert Wiene. El título más emblemático del cine expresionista alemán, El gabinete del Doctor Caligari, fue un proyecto que debía realizar Fritz Lang. Erich Pommer ofreció el proyecto a Robert Wiene, cuya formación teatral fue decisiva en muchos aspectos de la película, especialmente la utilización de decorados pintados por los artistas Hermann Warm, Walter Röhrig y Walter Reimann que integraron la propia luz en las pinturas dotando a la película de una estética irreal. Estrenada con copias coloreadas en diversos tintes para las diferentes secuencias, posteriormente sólo se exhibió cortada y en blanco y negro.


DVD. La Dolce Vita. Dir. Federico Fellini. Una de las películas más representativas del cine italiano y de la filmografía de Federico Fellini, marcando su separación entre sus anteriores trabajos neorrealistas y su posterior periodo simbolista. Ganadora de la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1960 y de dos Oscar en 1961 (mejor película extranjera y vestuario), constituye una de la cimas del cine de todos los tiempos.

DVD. El Ángel Azul. Dir. Josef Von Sternberg. Adaptación De la novela de Henrich Mann. Profesor Unrat, en la que Lola Lola, cantante de cabaret El Ángel Azul, disfruta humillando a quienes mendigan sus favores. Para Marlen Dietrich representó la consagración internacional y el convertirse en uno de los iconos más reconocibles del siglo XX. El Ángel Azul ser rodó, simultáneamente, en alemán e inglés. Ambas versiones integran esta edición definitiva de una de las primeras obras maestras del sonoro, meticulosamente restauradas en imagen y sonido.


Asique, después de todo, no he debido portarme mal este año, pues los Reyes me lo trajeron todo, y tengo todo el año que ahora empieza para poder disfrutarlo. Feliz Año.