Una ciudad llamada Marlene

Hace ya más de un año que visitamos Berlín. 10 días en los que nos sumergimos en la historia y la cultura de una de las ciudades más emblemáticas de Europa, con un trasfondo político todavía presente a día de hoy.

Debo reconocer que mi nivel de conocimiento de los hechos acaecidos durante todo el siglo XX en Berlín, y Alemania en general, distaba mucho de ser, al menos, básicos. De modo que durante casi seis meses profundicé en todos los aspectos históricos, leí diversos libros, vi documentales... y por supuesto me empapé de la que fue, es y será la figura más importante del cine alemán de toda su historia: Marlene Dietrich.

Ver toda su filmografía, al menos la sonora, y leer 5 o 6 libros sobre su vida y su obra, nos brindó una imagen más o menos objetiva de la figura del mito. Pero... ¿hasta qué punto su figura es tan reconocida dentro de sus fronteras? No debemos olvidar el amor - odio que Miss Dietrich despertó en su país durante gran parte de su vida. Allá vamos.

Marlene Dietrich vivió en Berlín hasta principio de los años 30, emigrando a Estados Unidos justo la noche del estreno de El Ángel Azul en su país. Posteriormente viajó en diversas ocasiones a su ciudad natal, pero no sería hasta después de la Segunda Guerra Mundial, cuando su figura fue reconocida y aclamada, dando conciertos y seminarios sobre su "aventura hollywoodiense"

A lo largo de su carrera como cantante, dedico multitud de canciones a su amada Berlín, como Das ist Berlin; canción todavía presente en la memoria colectiva de los berlineses.

Nacida en Schöneberg en 1901, sus restos desde 1992 no reposan muy lejos, en el cementerio de Friedhof Schöneberg, justo al lado del fotógrafo Helmut Newton. La lápida, sencilla donde la haya, dice simplemente "Marlene", junto a la inscripción: "Aquí estoy, en el último escalón de mi vida".

El cementerio es uno de los menos transitados de la ciudad, apenas concurrido. Nadie visitaba su lápida.

Actualmente, el Berlín que la vio triunfar se difuminó con la guerra, salvo excepciones como los almacenes KaDeWe donde trabajó como dependienta o los estudios de cine Babelsberg.

KaWeDe es el centro comercial más importante del país, fundado en 1907 por el comerciante judío Adolf Jandorf. Hoy es el tercer lugar de interés más visitado de Berlín, después del Parlamento y la Puerta de Brandemburgo.

Por otra parte, los estudios de cine Babelsberg se encuentran en pleno renacimiento tras varios años de sequía artística. Esta fábrica de sueños que un día fue sede de la Academia de Cine del Tercer Reich por expreso deseo del ministro nazi de Propaganda, Josef Goebbels, ha dado forma a más de 3.000 filmes y se ha convertido en un factor económico clave en la poco pujante región Berlín-Brandeburgo.

Otro de los lugares de visita obligatoria siguiendo los pasos de Miss Dietrich es El Dorado. En Berlín a principios de la década de los 20 florecieron clubs, locales e incluso burdeles abiertamiente gays. El Dorado fue uno de ellos, aunque en realidad deberíamos decir que fueron cinco los locales con éste nombre. El más conocido se encuentra en el Motz 15, y fue uno de los primero locales que frecuentó Miss Dietrich durante su periodo berlinés. Siempre se rumoreó que fue una de los dueños del bar. En 1930 los nazis cerraron el local. Un cartel "cerrado por reformas", fue el final de su época dorada, aunque en la actualidad puede visitarse y tomarse un buen cóctel rememorando lo que en su día fue.

Una vez llegado a este punto del viaje, es el turno de los homenajes que la ciudad de Berlín brinda en la actualidad a la figura de Miss Dietrich. Cabe destacar sobre todo en PostdamerPlatz: el Filmmuseum, la plaza Marlene-Dietrich-Platz y el Paseo de las Estrellas.

El Filmmuseum es uno de los Museos del Cine y la Televisión más importante del mundo, contando con una extensa colección que abarca la historia del cine y la televisión alemana hasta nuestra época. La visita comienza con un tono dramático, introduciéndonos por un pasaje de espejos que recuerda imágenes de El gabinete del doctor Caligari. El recorrido abarca desde los pioneros del cine a las primeras divas, de clásicos de cine mudo como Metrópolis de Fritz Lang, al revolucionario documental de la época nazi Olimpiada, hasta los exiliados alemanes en Hollywood y las producciones posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

El Museo cuenta además con una amplia colección de vestidos, efectos personales, fotografías y documentos de Miss Dietrich, por lo que es de obligada visitar para todo cinéfago que se precie. Cabe destacar el hecho de estar prohibido hacer fotos en el interior de las salas; algo totalmente comprensible si luego se pudiera adquirir el catálogo del Museo o algún facsímil similar, pero nada de nada. La tienda del Museo es decepcionante, apenas unas postales, imanes y algún libro en alemán.

 

Nuestro siguiente destino es la plaza Marlene-Dietrich-Platz, a apenas 100 metros del Museo anterior.

 

 

 

 

La plaza está llena de restaurantes, y locales en los que tomar algo, pero a parte de las dos fotos anteriores.... pocas reseñas a nuestra Miss Dietrich.

Y por último reseñar el recién inaugurado Walk of Fame a la alemana, aunque durante el verano del año pasado no estaba inaugurado. Abarca el tramo central de Postdamer Strasse, y aunque en un comienzo solo hay 40 estrellas, se espera ir añadiendo 10 más cada verano.

Lo dicho, poco queda ya de la ciudad que vio nacer a Marlene, la ciudad que la encumbró como una de las grandes mujeres del siglo pasado, la ciudad que escribió la historia de su vida.... simplemente Berlín, simplemente Marlene.

Veronica Lake, la mujer de la mirada escondida

El Hollywood clásico es un no parar de historias dramáticas y fuertes personalidades tanto en sus ficciones como en las vidas de quienes lo forjaron. Una ligera panorámica a aquellos años nos muestra una larga lista de muñecos rotos, grandes estrellas olvidadas, suicidios y tragedias varias. En realidad, la Historia es ingrata y ha respetado a pocos, la mayoria cayeron en el más cruel olvido.

Para entender la historia de Veronica Lake hay que empezar por apuntar que fue uno de los mayores iconos de los 40, haciendo pareja artística con Alan Ladd (con quien rodaría cuatro films). En aquellos días de guerra dos marines descubrieron una isla volcánica al sur del Pacífico y la bautizaron con el nombre de Isla Veronica en su honor.

Su peculiar peinado (llamado peek-a-boo-bang) fue tan masivamente imitado por las jóvenes que el Departamento de Guerra de los EE.UU exigió a la Paramount que prohibiera el peinado a la actriz ya que, al taparles la mitad del rostro, las trabajadoras de talleres y fábricas de armamento sufrían accidentes y errores en su trabajo. La revista Life la declaró la artista de mayor éxito taquillero. Cobraba 4,500 dólares por semana y en un referéndum del Ejército norteamericano fue declarada la estrella femenina más popular. Como ella misma declararía: "En aquel tiempo nadie podía llegar más alto...".

Veronica era la viva imagen del cine negro de los años 40, delgada, con larga melena, voz grave y un cierto aire de misterio. De entre su legado destacan: Los viajes de Sullivan, El cuervo, La llave de cristal o La dalia azul. Era una de esas mujeres que aparecen a los quince minutos de metraje fumando y bebiendo en un club de jazz, lejos de ser la esposa ideal americana pero sin ser mala del todo.

Su auténtico nombre era Constance Frances Marie Ockelman, nacida en Brooklyn, Nueva York el 14 de noviembre de 1922. En 1940 se casó con el director artistico John S. Detlie con quien tuvo una hija y un aborto y se divorciaría tres años después. En 1944 se casó con el director André de Toth con quien tuvo otros dos hijos. Y en 1955 se casaría de nuevo con un músico llamado Joseph A. McCarthy. En los años 60 volvió a divorciarse y comenzó a vivir en hoteles baratos de Nueva York. Fue arrestada varias veces por embriaguez y escándalo pùblico

Pero a mediados de la década la decadencia llamó a su puerta irremediablemente. Su alcoholismo, el desinterés del público tras prohibírsele su original peinado, su expulsión de la Paramount, la demanda que su propia madre le puso por motivos económicos, su segundo divorcio...

Un periodista la encontró trabajando como camarera en el Martha Washington Hotel de Manhattan. Ella protestó que en realidad era una clienta, pero poco después confesó la verdad. Esa publicidad le proporcionó un triste regreso a los escenarios. En 1966, trabajó para la televisión como presentadora, en la ciudad de Baltimore; también apareció en un filme de pésima calidad: Footsteps in the Snow
Su salud física y mental declinó rápidamente, y a finales de los 60 se la encuentra en Hollywood, Florida, recluida por paranoia (al parecer afirmaba estar siendo investigada por el FBI).

Se rehizo, sin embargo, momentáneamente, y logró publicar una autobiografía: Veronica, recibiendo mucha publicidad y críticas positivas. Con sus ganancias, Lake coprodujo y protagonizó una película, la última: Flesh Feast (1970), cinta de terror de bajo presupuesto. En ese momento se trasladó al Reino Unido, donde contrajo matrimonio con un capitán de barco inglés llamado Robert Carleton-Munro que murió prematuramente. Él nunca sospechó que aquella camarera había sido tiempo atrás ni más ni menos que Veronica Lake. En 1973, regresó a Estados Unidos, donde tuvo que ser de inmediato hospitalizada. Enemistada con su familia e hijos, no recibía visita alguna. Ese mismo año de 1973, cerca de Burlington, Vermont, Lake murió a la edad de 50 años, con un diagnóstico de hepatitis e insuficiencia renal derivadas de su alcoholismo. Sus cenizas fueron esparcidas en las Islas Vírgenes.

Veronica Lake fue probablemente la mayor muñeca rota de Hollywood. La más rutilante estrella convertida en mera anécdota cinéfila. En su autobiografía afirmó: "Nunca deseé ser una estrella, nunca me lo tomé en serio. No podía vivir, no podía soportarlo, odiaba ser algo que, en realidad, no era. De haberme quedado en Hollywood habría terminado como Alan Ladd y Gail Russell: muerta y enterrada. Aquella ciudad de ratas los mató y sé que también me habría matado a mí".

Louise Brooks, la enigmática Lulú

Ella juega con los hombres...

Lo sabe

Ella es la primera mujer que baila charleston...

Lo sabe

Ella es llamada "la orquidea negra"...

Lo sabe

Ella vive adelantada a su época...

Lo sabe

Ella hace lo que quiere, cuando quiere y con quien quiere...

Lo sabe

Ella es única...

Lo sabe

"Siempre había considerado la belleza una maldición

porque se me consideraba una puta antes que actriz"

                                                                           -  Louise Brooks -

Suspiria, de Dario Argento

Puedo afirmar y afirmo que Suspiria, de Dario Argento, es una de mis películas favoritas. Sólo un genio como Dario Argento pudo crear este cuento de hadas macabro lleno de simbología conceptual, horror descarnado y belleza cromática. Única en su género, tanto en la forma como en el fondo, Suspiria revolucionó el terror y el Fantastique mundial gracias a su fuerza visual y a su sencillez conceptual, convirtiéndose en una obra de referencia dentro del género y siendo la prueba viviente de que, tanto antes como ahora, hay muchos caminos del terror que aún no han sido explorados y que esperan la visión de un gran autor para ser descubiertos.

Pero pongámonos en situación. En 1975 Dario Argento realizó un clásico del terror titulado Rojo Oscuro, un giallo perfecto que tuvo un éxito de crítica y público impresionante. Por ello, cuando Dario se puso a pensar en su próximo trabajo, no quería que la gente se pusiera a comparar ambas películas y por ello ideo una trama completamente diferente. Sabía que su siguiente proyecto tenía que ser algo nuevo, provocativo, absolutamente sorprendente e inesperado. Por ello, eligió el tema de la brujería, basándose en la vida de María Blavatsky, inventora de la teosofía, y de Gurdjieff, otro teósofo. A partir de aquí, Argento creó toda la mitología de las tres madres, compuesta por la madre de los suspiros, que es la más vieja de las tres y vive en Friburgo; La madre de las lágrimas, que vive en Roma y es la más hermosa; y la madre de las tinieblas, que es la más endiablada y vive en Nueva York. Juntas gobiernan el mundo desde tres casas. Pues bien, Suspiria es la historia de la primera madre, Mater Suspiriorum, y su escuela de danza .

Lo que hace única a una película como Suspiria es, sin lugar a dudas, el innovador y revolucionario tratamiento fotográfico de la imagen, una mezcla aparentemente caótica de colores fríos y colores cálidos inteligentemente desplegados a lo largo del film para arrancar sensaciones contradictorias, oníricas e intensas en el espectador. Argento quería para su película un color muy denso, parecido al technicolor de las películas de dibujos animados de la Disney de los años 30, y lo consiguió gracias a la colaboración de Luciano Tovoli, un maestro de la paleta que a golpe de colorines consiguió crear una atmósfera de irrealidad absoluta. El espectador no sólo ve los colores, sino que también se sumerge en ellos en una orgía de tonos y sensaciones malsanas y angustiosas, fruto del poder omnipresente de la madre de los suspiros.

En cuanto a la trama, Argento quería que los personajes de la película fueran niñas de doce años, pero la productora se negó, ya que en el guión las estudiantes sufrían todo tipo de torturas a manos de sus superiores y el escándalo subsiguiente sin duda dañaría el prestigio de la película. Para superar este problema, Argento hizo que sus personajes actuasen de manera infantil, sobre todo su protagonista, Jessica Harper. Además, Argento modificó los decorados para que los pomos y los quicios de las puertas estuvieran más alto de lo normal, para dar la sensación de que las protagonistas eran más pequeñas y creando así una sensación de irrealidad absoluta.

Poderosamente irreal también es el acentuado contraste entre los decorados interiores (claustrofóbicos, tortuosos y laberínticos) y las localizaciones exteriores (diáfanas, luminosas y deslumbrantes). Entre los primeros destaca el gran trabajo de Giuseppe Bassan, que a partir de ejemplos del art nouveau crea una serie de habitaciones inquietantes y llenas de misticismo. En cuanto a las localizaciones exteriores, destaca la belleza de la Plaza de los Tres Templos en Munich, donde el pianista ciego es asesinado con total impunidad.

Es cierto, que como la mayor parte de la filmografía de Argento, la película cuenta con escenas violentas y de alto contenido hemoglobínico. Pero en este caso sabe dosificar su frenesí degollador y a lo largo del film las escenas sangrientas están inteligentemente repartidas para que causen un mayor impacto en el espectador.

Otro elemento fundamental de la película es su espeluznante banda sonora, creada por Dario Argento en colaboración con el grupo Goblin. Aquí el tema central del film, una mezcla tenebrosa de acordes con connotaciones siniestramente infantiles.

Comentar para finalizar que se ha confirmado un remake de Suspiria que se comenzará a rodar al finales de año. El director elegido es David Gordon Green, y entre las posibles actrices protagonistas, se citan nombres como el de Natalie Portman, casi ná.

Y poco más puedo añadir de esta obra maestra. Suspiria es terror hecho cine, ni más ni menos.

El otro Rebelde. Sal Mineo

Salvatore Mineo Jr. nació en el barrio neoyorkino del Bronx el 10 de enero de 1939. Su padre era un inmigrante de Sicilia que se dedicaba a fabricar ataúdes.

El joven Salvatore tuvo una infancia problemática: expulsado del colegio a la temprana edad de ocho años, formó parte de una pandilla dedicada a cometer varios robos. Sus padres, tratando de apartarle de las calles, le matricularon a los diez años en una escuela de baile y arte dramático. Allí el joven Sal se apasionó de inmediato por el mundo de la danza y de la interpretación, dejando de lado a sus compañeros delincuentes. En varias oportunidades los alumnos de la escuela hicieron breves apariciones en programas de televisión. Una tarde, unos productores de Broadway lo vieron ensayando en la escuela, y era justo lo que andaban buscando, un niño italiano para actuar en "La Rosa Tatuada" de Tennessee Williams. Dos días más tarde lo contrataban para actuar, fue el comienzo de Sal Mineo, el actor de 11 años.

En 1951, ya con varios años de experiencia profesional, consiguió debutar y destacarse en Broadway gracias a producciones teatrales como "La Rosa Tatuada" y "The Little screwball", también en el musical "El rey y yo". Este musical llevaría a la fama a Yul Brynner. Luego trabajó con un joven Tony Curtis en "Six Bridges to cross".

A mediados de la década dio el salto al cine con pequeños papeles en "Atraco sin huella (1955)", de Joseph Pevney, "La guerra privada del mayor Benson (1955)", de Jerry Hopper y especialmente "Rebelde sin causa (1955)", película de Nicholas Ray protagonizada por otro grande, James Dean. En este filme, Mineo era el actor más joven de la película, interpretando el personaje del delincuente juvenil llamado Platón -el más recordado de toda su carrera- le llevó a ser nominado a la candidatura para el Oscar como mejor actor de reparto. De esta misma época son también los intentos del actor por convertirse en estrella del rock and roll, llegando a grabar varios singles e incluso un LP, que cosecharon discretas ventas.

El éxito de "Rebelde sin causa", lejos de lanzarle al estrellato, le consagró como idóneo para encarnar papeles secundarios en los que da vida a jóvenes perdedores marcados por un destino trágico.
 
Su carrera cinematográfica fue breve ya que murió muy joven, sin embargo fue actor de reparto en grandes películas donde cabe destacar "Gigante (1956)" de George Stevens, donde repitió colaboración con James Dean; "Marcado por el odio (1956)" dirigido por Robert Wise; en 1957 filma "Dino", donde se enfrenta a un padre golpeador y obtiene una muy buena crítica por su papel.

En 1958 interviene en "Tonka", una película de Disney ambientada en el lejano oeste donde interpretaba el personaje del guerrero comanche Búfalo Blanco, "Éxodo (1960)", de Otto Preminger, donde volvió a ser nominado como mejor actor de reparto. Mineo actuó también en la superproducción bélica "El día más largo (1962)" y "El gran combate (1964)", último western dirigido por John Ford.

A finales de la década de 1960, cansado de interpretar personajes similares y un tanto mayor para ellos, Mineo regresó al teatro, donde no se limitó a actuar, sino que incluso puso en escena la obra "Fortune and men’s eye", de John Herbert, en 1969.
 
Mineo desarrolló una prolífica carrera televisiva de apariciones estelares en muchas series como en: Combate: The Brothers, Ellery Queen, Joe Forrester, Historia policial, S.W.A.T., Misión: Imposible y Columbo.
 
Se dice que hizo una prueba para un papel en la película "Lawrence de Arabia" y no fue elegido. Su última participación en cine fue en 1971: un breve papel en la segunda secuela (3ª parte de la saga) de la película de "El planeta de los simios".
  
Sal Mineo fue acuchillado el 12 de febrero de 1976 cuando regresaba a su domicilio en West Hollywood después de un ensayo teatral. Tenía 37 años.

Su final coincidió tristemente con el tipo de papeles que acostumbró a dar en el cine.

El primer Oscar de Miss Taylor

"Una Mujer Marcada", de 1960, supuso el primer Oscar para Miss Taylor. El film es una adaptación de la novela Butterfield 8, publicada en 1935 por John O'Hara.

La historia se basa a su vez en un caso real de la muerte en extrañas circustancias de la prostituta de lujo del Nueva York de los años 40, Starr Faithfull, quien en la novela acaba arrojándose al mar desde un barco, y en el film, transformada en Gloria Wandrous, termina estrellándose en una accidente de automóvil. La película fue suavizada para poder cumplir las estrictas normas del Código Moral de Producción impuesto.

El film, un melodrama convencional, destaca básicamente por la interpretación de Miss Taylor, algo que sorprende, pues la actriz intervino obligada por el contrato que estaba a punto de expirar con la MGM. Por ello, y por miedo a las represalias que hubieran podido obligarla a no realizar su siguiente película con la Fox, "Cleopatra",  tuvo que someterse a la voluntad del estudio, pero, eso sí, bajo unas condiciones.

Miss Taylor obligó a la MGM a que, por aquel entonces su marido, Eddie Fisher, interviniera en el film con un pequeño papel. También exigió que Helen Rose diseñara su vestuario y que Sid Guilaroff la peinase. La actriz despreciaba el guión e intentó cambiarlo en todo momento, a lo que el productor se negó categóricamente, creando por ello todo tipo de problemas durante el rodaje. Laurence Harvery, el coprotagonista de la película, la consideraba una "arpía", aunque finalmente, al terminar el rodaje, se hicieron buenos amigos.

Una vez acabada la filmación, Miss Taylor, cuya afición por la bebida ya había comenzado, arrojó su copa contra la pantalla en la sala de proyección del estudio durante el visionado de la primera versión de la copia que pudo ver el equipo.

Embarcada ya en el rodaje de "Cleopatra", Miss Taylor tuvo que ser ingresada de emergencia en la London Clinic, donde un equipo de cirujanos la practicaron una traqueotomía para salvarla de la neumonía severa con la que ingresó.Tras su recuperación, en una cena en Los Ángeles, la estrella pronunció  un conmovedor discurso relatando su milagrosa salvación a un paso de la muerte, que pronto fue portada de todas las publicaciones, provocando, entre otras cosas, que su nombre apareciera entre las cinco candidatas a los Oscar por su interpretacion en "Una Mujer Marcada".

Un més después, tras cuatro nominaciones consecutivas, obtuvo la ansiada estatuilla de la Academia, consciente de haberla ganado por una interpretación inferior a los trabajos de sus dos anteriores films. Según dicen, incluso la propia Debbie Reynols, enemiga suya desde que Miss Taylor le arrebatara el marido, votó por ella, creyendo que se encontraba en las puertas de la muerte.

La actriz Shirley MacLaine, favorita de aquel año por su interpretación en "El Apartamento", llegó a declarar: "He perdido contra una traqueotomía".

Entrevista en "The Big Show" ft. Miss Dietrich

1950. La televisión había invadido la conciencia nacional, pero la radio seguía gobernando las ondas. Y aquel mes de noviembre Tallulah, comenzó a emitir su entretendo programa de radio, "The Big Show". Se emitía en directo cada tarde de domingo entre las seis y media y las ocho, y se convirtió instantáneamente en una adicción nacional. Para miles de lesbianas americanas de clase media y alta, el programa de Tallulah era el centro de un ritual social. Acompañadas por bebidas fuertes, se reunían alrededor de la radio para reirse con Tallulah y sus amigos y amantes, un animado grupo que incluía a Joan Crawford, Ethel Barrymore, Edith Piaf, Groucho Marx, Gary Cooper, y Judy Garland entre otros.

Una de las primeras invitadas, el 7 de enero de 1951, fue Marlene.

(...)

MARLENE. Ese traje que llevas, ¿De qué color es?

TALLULAH. Bueno, es un nuevo color; gris acorazado.

MARLENE. ¿Gris acorazado? Es encantador, ¿pero no te queda un poco apretado en la zona de la sala de calderas?

TALLULAH. Tendrías que ver los precios que te clavan por lo vestidos... Me clavaron en todas las tiendas de París...

MARLENE. Sí, oí que te clavaron en París...

TALLULAH. Marlene, por favor, dejemos estas tonterías. Vamos a seguir así indefinidamente... Dime, querida, ¿que le ocurrió a ese chico divino que salía contigo? ¡Geoffrey!

MARLENE. Oh, lo dejamos...

TALLULAH. ¿De verdad, querida? ¿Del todo?

MARLENE. No, sólo temporalmente. Se casó...

TALLULAH. Tienen la maldita manía de hacerlo. Mira, Marlene, tenemos que enfrentarnos a ello; el problema de los hombres empeora cada año.

MARLENE. Tienes tanta razón, Tallulah... No se lo admitiría a cualquiera, pero un dia de la semana pasada tuve que comer sola.

TALLULAH. ¡Nooooooooooooo! Bueno, si crees que eso es grave, ya que me has contado, te contaré algo yo. Un día, hace más o menos un mes, ¡desayuné sola!

MARLENE. ¡Qué vergüenza! Parece que los hombres están desapareciendo...

(...)

¿Pero qué engaño es esto?

Ultimamente, desde hace ya una temporada, vamos todos los lunes a la biblioteca del barrio a coger algunos DVDs para verlos durante la semana. La verdad es que en casa tenemos una bastante abultada coleccion de DVDs originales, y si a esto le sumamos que el Torrent en casa funciona casi 24 horas al día, cabría preguntarse el porqué. Difícil respuesta, digamos que todo cinéfago siempre quiere más de lo que tiene, asique siempre estamos a la búsqueda de films que no hayamos visto. De esta forma estamos visionando toda la etapa británica de Hitchcock.

El pasado lunes, entre otros DVDs, cogimos "La extraña mujer" (1946) con la grande entre las grandes Miss Hedy Lamarr. No sé por qué, pero ultimamente no paro de leer sobre ella, además de sobre otra grande, Miss Tallulah Bankhead.

El caso es que conociendo ligéramente el argumento del film, me dispuse a leer el breve resumen que todo DVD trae en un reverso. Decía lo siguiente:

"Ángel, una famosa cantante de cabaret, se casa con un esforzado cantante. Ella usa sus contantos para ayudar a su esposo a conseguir el éxito. Ángel empieza a beber y a medida que su marido su hace más famoso, ella se hunde más en la bebida... "         

Fijándose en la descripción del film, resulta un tanto curioso eso de "esforzado cantante", como muy telenovelesco. Pero me llamó la atención, además del cartel del film, un tanto sinsentido, pero llamativo al fin y al cabo.

Edición de Suevia Films

Ayer vimos la película, y cual fué nuestra sorpresa al darnos cuenta que el argumento no tiene absolutamente nada que ver con su descripcion. De hecho, la sinopsis adecuada sería:

"Bangor, 1824. Jenny Hager, gracias a su arrolladora belleza, es capaz de manipular a los hombres a su antojo y conseguir de ellos todo lo que se propone. Tras casarse con un acaudalado comerciante, Jenny no tardará en seducir al hijo de éste con el fin de inducirle al asesinato de su padre, mientras por otro lado se encapricha del prometido de su mejor amiga... "

Y yo me pregunto... ¿quien era esa tal Ángel, famosa cabaretera como pocas?, ¿porque su marido, pese a ser un esforzado cantante, no logra el éxito en un primer momento?, ¿qué encantos usaba Ángel?, y sobre todo... ¿pero qué engaño es esto?

Indagando un poco, averigüé que la edición del DVD que había visto era de Suevia Films, una distribuidora, que aunque nos deleita con films clásicos que de otra forma sería imposible conseguir, muchas veces la calidad de dichos films dejan bastante que desear. No complendo que sea tan complicado al menos saber de qué trata el film de un DVD que estás vendiendo, me parece lo mínimo que uno puede pedir, teniendo en cuenta el precio de los mismos, y tanta ley Sinde y tonterias varias.

Edición de Versus

Afortunadamente, la edición de Suevia Films se encuentra descatalogada, y hace un par de años Versus, dentro de su colección Cinema Bis, editó de nuevo el film con una edición bastante competente.

Pese a todo lo dicho, film muy recomendable. Os animo a descubrir el lado mas cinematógrafico de una femme fatale, como Miss Lamarr.



En Neorrealismo Italiano. Parte II

ASPECTOS FORMALES

¿En qué radica su sustancial diferencia con lo anteriormente realizado en el séptimo arte para que este “movimiento estético”  sea elevado a los altares de arte con estilo propio?:

1. El contenido: para entender el contenido del cine neorrealista hay que hacer una pequeña reflexión sobre su antecedente inmediato, es decir, la cinematografía italiana del período 1930-1943. Marcada por el signo del fascismo, es decir, por la censura, el arte cinematográfica no podía levantar un vuelo sostenido más allá de la atenta vista avizor de sus guardianes. Las películas no podían mostrar la delincuencia o la pobreza y tampoco estaba permitida la sátira; se trataba de dar la imagen de una nación intachable y perfecta. Las producciones, por lo tanto, debían ser constreñidas a historias sin trasfondo social, con un simple fin de divertimento y siempre utilizadas como instrumentos de propaganda del régimen.

Desde 1945 (con la derrota militar y en plena guerra civil) se observa un giro en las producciones audiovisuales, donde unos se decantaron por un mero formalismo o decorativismo insustancial (como Soldati, Castellani, Lattuada, Poggioli o Alessandrini) y otros, en cambio, más radicales, como por ejemplo Lizzani tomaron el camino de la crítica social encubierta bajo un tono realista llevado más allá de una simple formulación de principios. Sea como fuere, el hecho es que el neorrealismo pronto advirtió un registro y tono muy diferente al conocido durante la etapa fascista.

De este modo, el más significativo elemento que permite comprender el efecto de "ruptura" de los primeros largometrajes del nuevo movimiento, como "Roma, citta aperta" (Rossellini, 1945) o "Sciusciá" (De Sica, 1946), es que en ellos se refleja con total transparencia la Italia triste, en blanco y negro y hambrienta de la posguerra, la resistencia y los caídos en la contienda. Sin embargo, esta temática no supone, ni mucho menos, una novedad de la historia del cine. La verdadera grandiosidad de este movimiento se refiere específicamente a su estilo. S. Chatman asevera en su magistral Historia y discurso que todo relato se basa en un qué (contenido semántico o historia) y un cómo (trazos formales y estéticos o discurso), de ahí la inseparable dicotomía entre ambos, quienes, en visión ecléctica u holística, significan más en conjunto y a partir de su unión de lo que la simple adición de sus partes confortantes podía aportar.

2. El estilo: En este campo también se produjo una ruptura total con el cine elaborado hasta 1945. Se pasa del espectáculo, las estrellas y los grandes estudios, a un “nuevo cine”, que sacrificaba abiertamente la perfección técnica a favor de la eficacia de la expresión directa.

En términos generales, las innovaciones que introdujeron los cineastas neorrealistas al lenguaje audiovisual fueron, entre otras y principalmente, las siguientes:

• El sentimiento sobre la imagen: Siguiendo la línea del cine de Charles Chaplin, el neorrealismo da más importancia a los sentimientos que a la composición icónica, pero sin despreciar ésta. Se otorga mucha importancia al guión como foco fundamental de expresión, por lo que el peso de los diálogos es fundamental. Suelen utilizar el dialecto como forma de lenguaje más esencial y más auténtica, lo que conecta perfectamente con la idea de retratar la realidad tal y como la perciben.
• La muerte del actor: Se basa en la idea, ya mencionada, de presentar la realidad sin ningún artificio. Así, no es de extrañar que uno de los “estandartes” del neorrealismo fuera el de: "¡Abajo las estrellas!". El cine, como ya había experimentado Frederich Murnau, no necesita de actores, sino de hombres y mujeres que narren su propia vida, que no actúen, sino que se comporten como son y que se encarnen a sí mismos. Se trata de una ecuación de base paritaria ser = parecer. El actor, nos dice el neorrealismo, no debería existir, pues cada uno debe ser el intérprete de sí mismo, y el querer que un hombre recite lo que experimenta otro es falsear la realidad.
• Dos nuevos tipos: la mujer y el niño: El cine neorrealista, como hemos comentado, utiliza (arque)tipos, en vez de actores. Introdujo, además, dos no muy utilizados anteriormente. El primero de ellos fue la mujer, debido a que, durante los últimos años de la guerra, el cine italiano apenas contaba con intérpretes femeninas. Esto se ve con total claridad en filmes como: "Nosotras las mujeres" o "Roma a las once". El otro tipo que introduce es el niño, elemento influenciado (una vez más) por el cine de Charles Chaplin (The kid, 1921). El cual fue perfectamente explotado en películas como "Ladrón de bicicletas" (1948) o "Milagro en Milán" (1950), ambas de Vittorio de Sica.
• El recurso de la improvisación: Es un recurso indispensable de este estilo cinematográfico, ya que para describir la realidad hay que entender su naturaleza dinámica. Por ello, no hay rigidez, todo es flexible y cambiante. Ejemplo de ello es la película "Paisá" (1946, Rossellini), en la que el director únicamente dejó preestablecido antes de grabar, el lugar del rodaje. Después hizo transportar allí todo el equipo, reclutó actores no profesionales en el momento y realizó entre ellos encuestas para precisar el curso que debía seguir el argumento.

3. La posición moral: Es el alma mater que mejor define este movimiento. Todas la cintas expresan una fulgurante necesidad de sinceridad, de descripción cruda de la realidad; Y siempre con un fin didáctico a nivel moral. Muchos de los directores neorrealistas eran cercanos al Partido Comunista Italiano, que tantos fieles arrastró durante décadas en Italia. El cine neorrealista tiene una serie de principios morales (entre los que destaca la importancia del hombre) que siguen una línea de origen

cristiano. Así se ve, en toda la obra de Rossellini o Pasolini (homosexual, católico y comunista), marcada por la caridad, o en la de De Sica, marcada por la solidaridad.

4. El sentido de protesta: Cuyo objetivo era impulsar la séptima arte no como una forma de entretenimiento, sino como método de crítica, como instrumento político. El Nuevo Realismo pretendía hacernos reflexionar sobre nosotros mismos, nuestras creencias y prejuicios, y romper el muro que separaba la Italia deprimida de la próspera modernidad.

Y con ella llegó el escándalo...Tallulah Bankhead

Tallulah Bankhead fue un icono de la provocación. Una mujer de los años 20, no sujeta a las reglas que dictaban los hombres. Una actriz que vivió de forma extrema y nunca tuvo problemas para expresarlo, haciendo apología de sus diversos vicios. Suya es la frase "la cocaína no crea adiccion, lo sé porque llevo tomándola desde hace años" y la no menos popular "si volviera a nacer cometería los mismos errores, pero mucho antes".

Tras esa frívola imagen de mujer fatal había una mujer de pasiones irrefrenables, a la que no pudo vencer su educación en un convento ni los tabúes de una sociedad hipócrita, dispuesta a vivir y amar más allá, con toda la intensidad necesaria, no privándose del uso de substancias artificiales que le proporcionasen el ansiado y probablemente nunca saciado placer.

No destacó por su carrera en el cine (Marlon Brando decía que fue debido a sus adicciones al alcohol y al sexo), ya que no quiso ceder a la presión y el acoso de las estrellas como John Barrymore, por quien perdió su primer papel importante (Dr. Jekyll & Mr. Hyde, 1920) al no querer acostarse con él. Intentó triunfar en Broadway, pero fue en Londres donde consiguió convertirse en una estrella. En su corta carrera cinematográfica podemos destacar títulos como Honor Mancillado (Tarnished Lady, 1931) de George Cukor, Náufragos (Lifeboat, 1944) de Alfred Hitchcock y La Zarina (A Royal Scandal, 1945). Tras ésta película tardaría 10 años en volver a Hollywood, centrándose en su carrera teatral. Su último papel fue en la serie Batman en 1966.

Pero lo más jugoso de Tallulah sigue siendo su forma de ser y actuar en cada momento. En una ocasión en que un periodista le preguntó que habría sido de no ser actriz ella respondió “dudaba entre madre superiora, puta y presidente de los Estados Unidos. ¡Espero que pongas en tu libreta que habría hecho de maravilla las tres cosas!”. En otra ocasión un doctor le recomendó para superar su alcoholismo que tomara una manzana cada vez que sintiera la necesidad de agarrar la botella, a lo que Tallulah respondió: "¡Pero doctor!, ¿sesenta manzanas al día?". También son multitud las anécdotas que forman la mitología de la estrella, en una fiesta a la que acudió como invitado Truman Capote propuso que todos los invitados se bañaran en la piscina. Ella apareció vestida sólo con sus perlas, decía que lo hacía para demostrar que era una rubia natural.

Solía acudir a los rodajes de sus películas sin ropa interior, lo que generaba gran alboroto. En el rodaje de Náufragos el equipo se quejó del desmesurado exhibicionismo de Tallulah, a quien le gustaba dejar ver lo que escondía bajo la falda. Hitchcock, con su iniguable flema británica repuso no poder resolverlo porque no sabía a qué departamento acudir, vestuario o peluquería.

Entre los muchos amantes de Tallulah hay hombres y mujeres de todos los credos y razas, entre ellos Marlon Brando, Mercedes de Acosta, la más conocida de las amantes de las estrellas, quien también compartió lecho con Greta Garbo y Marlene Dietrich, también tuvo una relación con una actriz más joven, la bella Lizabeth Scott, que inspiró la que mantienen Ann Baxter y Bette Davis en Eva al desnudo. Tenía fijación por las mujeres negras, tuvo un romance con Hattie McDaniel, la inolvidable Mammy de Lo Que El Viento Se Llevó (Gone With The Wind, 1939), primera actriz negra en ganar un Oscar y con la genial cantante Billie Holiday.

Perdió grandes papeles de Hollywood debido a sus adicciones, es el caso de Encuentro en la Noche (Clash by Night, 1952) que en su adaptación al cine por Fritz Lang contó con Barbara Stanwyck para el papel principal pese a que Tallulah lo había interpretado en Broadway. Tampoco consiguió el papel de la versión cinematográfica de Eva al Desnudo (All About Eve, 1950) de Joseph L. Mankiewicz, pese a haber bordado el papel en la versión teatral. En este caso el papel fue a manos de Bette Davis, una de sus mayores rivales. Bette también le "robó" el papel de La Loba (The Little Foxes , 1941) de William Wyler. Refiriéndose a ella dijo: "no creais que no se quién ha estado contando cotilleos sobre mí... después de todas las cosas buenas que he hecho por esa arpía, ¡cuando la coja, voy a arrancarle cada pelo de su bigote!".

Independientemente de su escandalosa vida privada, o tal vez gracias a ella, Tallulah fue un personaje muy popular. De hecho existe un pueblo en Luisiana llamado Tallulah porque en los años 30 ella pasó una noche allí. Su último e involuntario legado, fue inspirar uno de los personajes más bizarros y demoníacos de la animación, la Cruella de Vil de 101 Dálmatas. Pero ningún homenaje es suficiente para la mujer que dijo "decid cualquier cosa de mí, mientras no sea aburrida".