En Neorrealismo Italiano. Parte I

El cine neorrealista italiano ha sido elevado al concepto de estilo artístico del séptimo arte. Su origen se encuadra en los años inmediatamente anteriores y posteriores al fin de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

¿Movimiento o escuela?. Si atendemos al puro concepto cinematográfico, nos hallamos ante un tipo de cine desarrollado por una serie de directores y autores en forma de acciones colectivas e individuales. Reacción declarada al régimen fascista de Mussolini, que Italia sufrió desde 1922 a 1945, y que concluyera con el fusilamiento de éste al norte de Italia mientras trataba de huir camuflado con soldados a la neutral Suiza. En este caldo de cultivo surgió el llamado “nuevo cine italiano”, que emprendió rumbos estilísticos totalmente distintos a los políticamente correctos de la época de la hegemonía fascista.

No es árbol el cine de un solo fruto: Junto al neorrealismo, aparecieron dos corrientes cinematográficas con el mismo denominador común: la oposición al cine propagandístico del régimen. La primera, es la llamada corriente de los calígrafos, donde destaca el director Alberto Lattuada (Giacomo el idealista, 1943) y cuyo rasgo principal era la adaptación de obras literarias antiguas al medio audiovisual, corriente ésta muy al gusto de los primeros pasos cinematográficos ítalos. La segunda, es la línea de la objetividad documental, denominada así por su enconada crítica a la objetividad oficial (marcada con la figura del héroe) que llevan a cabo. Sin embargo, “il nuovo stilo” que más repercusión tuvo en el cine extranjero y que produjo mejores largometrajes es el Realismo Nuevo (“Neorrealismo” como denominación del nuevo concepto).

EL TÉRMINO

El nombre de neorrealismo fue utilizado por primera vez por el intelectual Norberto Barolo, para referirse a una película francés (El muelle de las brumas, 1938, de Marcel Carné) que más tarde se encuadró dentro del otro realismo, el tildado de poético (descripción de la realidad utilizando la sensibilidad propia de la poesía).

No obstante a quien consideramos como avanzado y que aplicó el término neorrealismo a la nueva corriente cinematográfica surgida en la Italia de la posguerra fue Umberto Bárbaro, crítico y guionista de cine que recuperó el término de Barolo en un artículo de la revista II Film (Roma), en 1943. Bárbaro analiza en el artículo “El muelle de las brumas” lo interesante que sería tratar la realidad del mismo modo que se hace en la citada película. Fue un hallazgo casual, pero muy efectivo. Se denominó neorrealismo porque se trataba de un "nuevo" realismo italiano (en este sentido, el maestro Visconti rechazaba absolutamente el prefijo "neo") que nada tenía que ver con el realismo de la época silente italiana (títulos como Assunta Spina, de Gustavo Serena, y Sperduti nel buio, de Nino Mortoglio).

Al contrario que en otros países como Francia o la antigua Unión Soviética, en Italia no se heredó la influencia de los grandes directores rusos como Pudovkin o Eisenstein, sino que apareció un estilo estrictamente nacional, intransferible e italiano. Así, en cada una de sus obras se respira esa "italianeidad", tanto en el aspecto formal como en el temático.

Es importante entender que el prefijo "neo" no se refiere a las obras nuevas del cine italiano en relación a las del período anterior a la guerra, sino a la nueva realidad (quizá antigua como la vida misma, pero sin los edulcorantes de los fascios de combattimento) de la vida nacional que se convirtió en el tema por excelencia de esta corriente cinematográfica.

El neorrealismo cambia la visión de la séptima arte como mera forma de distracción para, haciendo honor a su nombre, convertirse en una herramienta de polémica y crítica social a la situación de posguerra que sufrió Italia durante y sobre todo tras la Segunda Guerra Mundial.

El Cine Italiano, ese gran desconocido

Debo reconocer que poco o nada conocía del cine italiano hasta hace unas semanas. Apenas había visionado la obra de Dario Argento, aunque es cierto que como nos pasa a todos, cuando me citaban nombre de directores de cine italiano, tales como Rossellini, Fellini, Da Sica,... me sonaban, pero nunca me había animado a profundizar en sus películas claves.

De modo que uno de los muchos propósitos de este año fue conocer, al menos, las obras claves de la historia del cine italiano. Es importante matizar que la mayoría de estas obras tienen un punto en común... su duracion ¡¡ ¿Por que la mayoría de las películas italianas duran más de 2 horas? No es que me importe ver films de más de dos horas, pero hay que planificar muy mucho cuando verlas para que no te den las tantas.

Por el momento no puedo tener una visión global del cine italiano, apenas he visionado algunos films de los directores citados anteriormente, pero prometo analizar las obras claves del cine patrio italiano, o al menos, las obras que más me hayan gustado.

Haciendo un poco de historia, en 1930 nace la primera película sonora italiana, "La canción del amor", inspirada en un cuento de Pirandello y realizada por Gennaro Righelli. Asentando las bases del neorrealismo que el cine italiano toma conciencia, enfatizando en sus capacidades expresivas.

De Sica, Rossellini y Visconti crean películas con contenidos universales, en un estilo moderno y con una estructura narrativa fuerte y reconocible. Obras como "Roma ciudad abierta" y "Paisà" pasan a formar parte de la memoria colectiva, formando generaciones de espectadores. La atención crítica hacia la sociedad, el lenguaje novedoso y la popularidad, son los tres elementos que permitieron el éxito del cine italiano a partir del neorrealismo: elementos que volvemos a hallar en las comedias “a la italiana” del decenio siguiente o, por lo menos, en las mejores obras de directores como Mario Monicelli, Pietro Germi, Antonio Pietrangeli y Dino Risi.

Por otra parte, el cine italiano de los años ’60 es también el cine experimental de Michelangelo Antonioni, el cine de vanguardia de Mario Bava y Sergio Leone, y el cine poético de Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. "La dolce vita" representó un fenómeno extraordinario, incluso en al ámbito de los usos: a la representación de una realidad violenta y difícil –la del neorrealismo- sucedía la descripción de un mundo lujoso y deslumbrante, vacío y pobre en ideales. Anita Ekberg -entrando con su seductor vestido de fiesta en la fuente de Trevi- ingresó en la historia del cine, transformándose en una leyenda.

También son sumamente importantes el cine literario de Luchino Visconti y el cine político y polémico de Bellocchio y Ferreri. Todos ellos, autores que ejercen su influencia sobre los directores de cine de todo el mundo.

Asique después de todo lo dicho, una de Cine Italiano ¡¡¡¡

Rosalind Russell, la chica inadvertida

Miss Russell puede ser tu vecina de al lado.

Y por ese motivo no reparé en un primer momento en ella. Es cierto que la ví en varias películas, normalmente como secundaría, pero nunca me había llamado la atención hasta tal punto de investigar sobre su filmografía y sobre su vida en general.

Por todo ello, Miss Russell, con nombre y apellido sonoros como pocos, se merece que no nos olvidemos de ella, pues pese a no ser el prototipo de mujer sexy o mujer fatal, se consolidó durante los años 40, como una de las mejores actrices de su época, destacando en la denominada "alta comedia".

Rosalind Russell nació el 4 de Junio de 1907 en Waterbury, Connecticut (Estados Unidos), en el seno de una amplia y adinerada familia, siendo su padre un prestigioso abogado y su madre una conocida periodista.

Después de concluir sus estudios universitarios, Rosalind inició su instrucción interpretativa en la American Academy of Dramatic Arts de Nueva York.

Tras aparecer en varias funciones de Broadway se introdujo en la industria cinematográfica logrando un contrato en 1934 con la Metro Goldwyn Mayer.

Debutó en la película "Evelyn Prentice" (1934), un film dirigido por William K. Howard.
En la segunda mitad de la década de los 30 Rosalind fue progresando en su estatus cinematográfico. "Mares de China" (1935) de Tay Garnett, "La mujer sin alma" (1936) de Dorothy Arzner, "Trouble for two" (1936) de J. Walter Ruben, "Bajo dos banderas" (1936) de Frank Lloyd, "Al caer la noche" (1937) de Richard Torpe, "La ciudadela" (1938) de King Vidor o "Mujeres" (1939), título dirigido por George Cukor, fueron films importantes dentro de la primera etapa de su carrera.

Los años 40 fue su mejor período como actriz interpretando a enérgicos personajes femeninos dentro, en su mayoría, de un contexto propicio para la comedia. "Luna Nueva" (1940) de Howard Hawks, "Huellas femeninas" (1941) de Van Dyke, "This thing called love" (1941) de Alexander Hall, "Ella y su secretario" (1942) de Mitchell Leisen o "Sister Kenny" (1946) de Dudley Nichols son algunos de sus títulos más destacados.


Rosalind fue nominada al Oscar en esta década en tres ocasiones: "Los caprichos de Elena" (1942), "Sister Kenny" (1946) y "Mourning becomes Electra" (1947).

También en los años 40 estabilizó su vida sentimental al casarse con el productor Frederick Brisson el 25 de octubre de 1941. Brisson le produjo cuatro films: "The Velvet Touch" (1948), "Never wave at a WAC" (1952), "The Girl Rush" (1955) y "Ejercicio para cinco dedos" (1962). La pareja sólo tuvo un hijo al que llamaron Lance (nacido en el año 1943).

Además de sus trabajos para el cine, Rosalind Russell regresó al teatro y con éxito, ya que le fue concedido el premio Tony en 1953 por su actuación en "Wonderful Town".


Las películas más importantes de Rosalind en su última etapa como actriz (en los 50 y 60 apareció con intermitencia en la pantalla grande, prevaleciendo más sus representaciones teatrales) son "A Woman Of Distinction" (1950) de Edward Buzzell, "Picnic" (1955) de Joshua Logan, "Auntie Mame" (1958), película dirigida por Morton Da Costa que le valió su última nominación al Oscar, "La Reina Del Vaudeville" (1962), musical de Mervyn LeRoy en el que interpretaba a la madre de Natalie Wood, "Oh, Dad, Poor Dad, Mama's Hung You In The Closet And I'm Feeling So Sad" (1967) del dúo Richard Quine/Alexander McKendrick y "Rosie" (1967), un título de David Lowell Rich.

A principios de los 70, se retiró de la gran pantalla continuando su feliz vida marital junto a su esposo Frederick Brisson y sufragando económicamente a varias asociaciones de caridad. Por esta contribución financiera le fue concedido el premio Jean Hersholt en 1972.

Rosalind Russell murió el 28 de noviembre de 1976 en Los Angeles a causa de un cáncer de mama. Tenía 69 años.

Comienzo de un nuevo Ciclo

Dicen que en la vida todo es un ciclo detrás de otro. Situaciones que van y que vuelven, personas que va y que vuelven, e incluso películas que van y que vuelven.

Durante el pasado mes he cerrado un ciclo laboral iniciado hace ya demasiado tiempo. Un ciclo alejado de mi recorrido natural, y que, pese a ser un ciclo pensado para durar unos pocos meses, el ciclo fue creciendo y creciendo hasta que o bien se instalaba en mi vida de forma permanente, o debía expulsarme de él cuando antes. Esta última decisión ha provocado mi "abandono" momentaneo cinéfago, pero de nuevo aquí con nuevos temas y más fuerzas, si cabe.

Y como de ciclos parece que va hoy el día, iniciamos la semana pasada en casa el Ciclo Alfred Hitchcock.

Todos hemos visto films de Sir Hitchcock, pero tras leer varias biografías y un puñado de libros sóbre su persona, me apetecia dar de nuevo un visionado de sus films, desde la perpectiva del conociento de sus historia, y fijándome en esos detalles que en un primer momento a todos se nos escapa.

La primera película elegida ha sido Blackmail, 1929 ("La muchacha de Londres")

Blackmail me ha dejado una buena impresión general, aunque comienza de una manera un tanto extraña. Los primeros 8 minutos son de película ¨muda¨, podemos ver a los personajes hablar pero solo por el movimiento de los labios. La velocidad del film siendo notablemente elevada, veremos a las personas caminando de una manera casi cómica. Más tarde el movimiento se normalizará. Por cierto, esos primeros 8 minutos parecerían no tener mucho que ver con la trama, son escenas de policías realizando su trabajo. Demasiado tiempo si la idea era sólo familiarizarnos con el ambiente policiaco. Aquí hay que aclarar que este film se considera el primero en el Reino Unido que ya era hablado, de ahí quizá la necesidad de improvisar algunos aspectos. La mayoría de las salas no disponían de el equipo adecuado para transmitir el sonido e incluso la voz de Anny Ondra -quien interpreta a Alice- tuvo que ser descartada por su marcado acento checo. Si la película hubiera sido ¨muda¨ ese detalle hubiera sido intrascendente.

Alice comete un error, aceptar la invitación de un hombre después de pelearse con Frank su pareja sentimental y que es detective. El hombre - de apellido Crewe y quien es pintor- la encuentra en un restaurant, sabe que ella tiene novio y que ha preferido acudir a su encuentro. Cuando un rato más tarde ella le acompaña a su departamento y feliz juega con los pinceles y un cuadro que están en una área de el departamento, él empieza a tocar el piano. Ella se toma cada vez más confianza que es interpretada por el hombre como una aceptación a algo más íntimo. Ella le rechaza y forcejean, tomando la joven un cuchillo que había en una mesa y matándole. Posteriormente huye olvidando en la escena un guante. Un hombre en la calle le ha visto entrar y sabe quien es ella así como donde vive y trabaja. Por si esto fuera poco, su novio es asignado como investigador a el caso y encuentra el guante reconociendo que era el de ella.

Aquí comenzará un conflicto entre Alice, que lucha con su conciencia. El desconocido, que quiere chantajearle pues le vió entrar junto a el hombre que fué asesinado. Y Frank el novio, que quiere protejerla de ese chantaje y a su vez evitar que se declare culpable y sea enviada a prisión.

Personalmente, y tras conocer parte de su obra, se puede indicar que este primer film sonoro de Hitch asenta las bases de su posterior manejo sonoro del que hacía uso en sus posteriores films. Pero ello no lo excluye de contar con un guión un tanto flojo, y de una trama que, aunque promete en las primeras fases del film, no va más alla, y no logra atrapar al espectador, o al menos a mi.

Nota: 5.

El fin de un Ciclo; el Ciclo de Miss Dietrich

Anoche cerré un Ciclo. Como ya sabeis, durante todo el año pasado, y lo poco que llevamos de este, todos los lunes hemos visionado en casa alguna película de Miss Dietrich. En todos estos meses hemos visto más de 25 películas, y aunque esto no abarca toda su filmografía, sí gran parte de ella. Nos ha sido imposible conseguir esa veintena de películas rodadas en Alemania durante los años 20, y hemos considerado obviar algunos cameos de sus últimos films.

Si la primera cinta del Ciclo fué la versión inglesa de El Ángel Azul (1930), no podíamos acabar de otra forma que no fuera con la versión alemana del mismo film. ¿No os parece que hay escenas que son modificadas significamente en ambas versiones? Es decir, ¿escenas que aparecen en un film y en el otro no...?

Durante todos estos meses hemos podido observar la evolución de la actriz, empezando su carrera siendo apenas una estudiante y terminándola como la gran estrella que fué, es y será. Sin olvidarnos, por supuesto, de todas canciones las que Miss Dietrich no ha deleitado en gran parte de sus films. Canciones siempre con ese punto provocador del que ella siempre alardeaba y que ruborizaba al resto.

Por todo ello, y despues de tener una visión más o menos objetiva de su filmografía, me voy a atrever a citar mi Top 5. No ha sido fácil elegir solo un puñado de sus interpretaciones, y posiblemente, al volver a ver en un futuro sus películas pueda apreciar detalles que se me han escapado, en ese caso, volveré a realizar otro Top 5 :)

El Ángel Azul (1930). Narra la tragedia de un severo profesor (Jannings) que una noche va a "El Ángel Azul", un cabaret de mala fama, para llevarse de allí a sus alumnos, que acuden al local seducidos por los encantos de la cantante Lola-Lola (Dietrich). Sin embargo, el profesor Rath, un solterón de 50 años, acaba cayendo en las redes de la cabaretera. A partir de entonces, su vida será un descenso a los infiernos de la humillación y de la degradación moral.

El Expreso de Shangai (1932). Ambientada en un viaje en tren que hace el trayecto desde Pekin a Shangai durante 1927, relata la historia de una mujer de dudosa reputación (Dietrich) que causa el desmoronamiento de un caudillo chino para salvar la vida y reputación del hombre al que ama.

Deseo (1936). Tras cometer un robo, una ladrona de joyas (Dietrich) huye de Francia y, para no levantar sospechas, embauca a un ingeniero americano (Cooper) que está de vacaciones por España.

Siete Pecadores (1940). La cantante de cabaret Bijou (Dietrich), expulsada de varias islas del Océano Indico por suscitar peleas, recala en Boni Komba para trabajar en el Café Seven Sinners. Tiene mucho éxito entre los marineros americanos, especialmente con el Teniente Dan Brent. Cuando Dan le propone matrimonio, su carrera y su vida correrán peligro.

Berlín Occidente (1948). Un comité de congresistas de los Estados Unidos se traslada al Berlín de la posguerra para investigar la moral de las tropas norteamericanas. Entre ellos, la más metódica, una estricta congresista de Iowa que, preocupada por los hechos que se están produciendo, decide investigar quién está protegiendo a una cantante de cabaret acusada de confraternizar con los nazis durante la guerra.

Reyes Magos y Cinéfagos

Como todos los años, a estas alturas de enero, ya nos hemos "librado" del empacho de las Navidades, que aunque personalmente me gustan, reconozco que la llegada de la monotonía del día a día tambien es de agradecer.

Este año, los Reyes Magos han venido cargados de material cinéfago, que para eso son Reyes, y han hecho caso de la exhaustiva carta enviada hace ya casi dos meses. La carta pedía lo siguiente:

Libro. La Hammer. Aut. Javier Memba. Ed. T&B Editores, 2007. Heredera de los mitos clásicos del cine de terror puestos en marcha por la Universal , la Hammer ejerció su magisterio en todo el cine fantástico desde mediados de los años 50, cuando el éxito de El experimento del doctor Quatermass (Val Guest, 1955) le procuró el reconocimiento de los aficionados del mundo entero, hasta dos décadas después, cuando tras el estreno de El exorcista (William Friedkin, 1973) los endemoniados desplazaron a los vampiros, los licántropos y los doctores locos del parnaso del escalofrío fílmico.

Libro. De Caligari a Hitler, una historia psicológica del cine alemán. Aut. Siegfried Kracauer. Ed. Paidos Ibérica, 1995. Este nombre y este título han sido durante mucho tiempo punto de referencia obligado para todos aquellos que se dedican a estudiar el cine como un arte del siglo XX. En su libro, Kracauer aborda el período más rico y espectacular del cine alemán y, por extensión, uno de los más importantes del cine mundial: el que va de 1919, año de la aparición de El gabinete del Dr. Caligari, a 1933, año de la subida al poder de Adolf Hitler. Es el período del expresionismo, de la formación de un lenguaje, de la consolidación de un arte que Kracauer analiza desde un punto de vista nuevo: el que le ofrecen los útiles teóricos del marxismo y el psicoanálisis.

DVD. Serie completa de La Familia Monster. Telecomedia producida por la cadena CBS y transmitida originalmente entre los años 1964 y 1966, contando con 70 capítulos y dos temporadas. Basándose en la serie original se realizó años más tarde la película Munster Go Home. Está considerada como una serie de culto y ha sido repuesta numerosas veces en todo el mundo.

DVD. El Gabinete del Doctor Caligari. Dir. Robert Wiene. El título más emblemático del cine expresionista alemán, El gabinete del Doctor Caligari, fue un proyecto que debía realizar Fritz Lang. Erich Pommer ofreció el proyecto a Robert Wiene, cuya formación teatral fue decisiva en muchos aspectos de la película, especialmente la utilización de decorados pintados por los artistas Hermann Warm, Walter Röhrig y Walter Reimann que integraron la propia luz en las pinturas dotando a la película de una estética irreal. Estrenada con copias coloreadas en diversos tintes para las diferentes secuencias, posteriormente sólo se exhibió cortada y en blanco y negro.

DVD. La Dolce Vita. Dir. Federico Fellini. Una de las películas más representativas del cine italiano y de la filmografía de Federico Fellini, marcando su separación entre sus anteriores trabajos neorrealistas y su posterior periodo simbolista. Ganadora de la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1960 y de dos Oscar en 1961 (mejor película extranjera y vestuario), constituye una de la cimas del cine de todos los tiempos.

DVD. El Ángel Azul. Dir. Josef Von Sternberg. Adaptación De la novela de Henrich Mann. Profesor Unrat, en la que Lola Lola, cantante de cabaret El Ángel Azul, disfruta humillando a quienes mendigan sus favores. Para Marlen Dietrich representó la consagración internacional y el convertirse en uno de los iconos más reconocibles del siglo XX. El Ángel Azul ser rodó, simultáneamente, en alemán e inglés. Ambas versiones integran esta edición definitiva de una de las primeras obras maestras del sonoro, meticulosamente restauradas en imagen y sonido.

Asique, después de todo, no he debido portarme mal este año, pues los Reyes me lo trajeron todo, y tengo todo el año que ahora empieza para poder disfrutarlo. Feliz Año.

Hedy Lamarr, esa sexy ingeniera

Hedwig Eva Maria Kiesler, conocida como Hedy Lamarr, fue considerada en su tiempo como la mujer más bella del mundo y ha pasado a la historia del cine por ser la primera actriz que se exhibió totalmente desnuda en la pantalla e interpretar un orgasmo con el rostro en primer plano. La película se llamaba Éxtasis. Fue rodada en Praga por el director Gustav Machaty, en 1932. Hedwig tenía 16 años.

Miss Lamarr será eternamente recordada por la película Sansón y Dalila, la única que le dio fama. Tuvo mala suerte. Rechazó el papel de protagonista en Luz de gas y en Casablanca. También estuvo a punto de rodar Lo que el viento se llevó.

Pese a tener una carrera más o menos prolífica, en lo que verdaderamente Miss Lamarr destacó fue en el campo de las ciencias. Hedy Lamarr se abstuvo de fiestas, contrariamente a lo que se estilaba en Hollywood. Su pasatiempo consistía en inventar. Algunas de sus aportaciones fueron:

Torpedos infalibles. El más importante (en colaboración con el músico de vanguardia Georges Antheil, autor del Ballet Mécanique) fue un "sistema secreto de comunicaciones" (1941) entre aviones y barcos para dirigir un torpedo con señales de radio cortísimas que cambian de frecuencia arbitraria y simultáneamente para evitar ser interceptadas. Es el germen de sistemas como el GPS, Bluetooth, teléfono móvil y wifi. También trabajó en un escudo antiaéreo.

Coca-cola instantánea. Ideó una pastilla que se disolvía en agua para conseguir un refresco de cola. Howard Hughes le facilitó dos químicos para asesorarla. Finalmente, no funcionó.

Lifting y otras ideas. Trabajó en un sistema de "estiramiento de piel basado en el acordeón", imaginó el collar fluorescente para perros, un nuevo tipo de semáforo o cambios del diseño del Concorde.

Tras ello, cabe preguntarse.... ¿Cómo llegó Miss Lamarr, una actriz sin estudios al origen de tecnologías más que indispensables? Su padre era un banquero maravillado por los adelantos mecánicos y su madre la convirtió en concertista de piano. Con su primer esposo, Friedrich Mandl, acaudalado fabricante de armas, compartió sobremesas con diplomáticos, estadistas (Mussolini fue uno de los invitados) y militares alemanes que discutían la última innovación bélica. Todo ello fraguó en ella una serie de ideas y conceptos muy adelantados a su época, conviertiéndola en toda una revolucionaria.

En 1997, tres años antes de su muerte, recibió el primer reconocimiento. Hedy, convertida en litigante profesional y ocasional cleptómana, rehusó recoger la distinción.

En su cumpleaños, el 9 de noviembre,en su honor, se celebra el Dia del Inventor.

Un chimpancé llamado Chita

El refugio de animales The Suncoast Primate Sanctuary de Palm Harbor (Florida, EEUU) informó que el chimpancé Chita, que coprotagonizó en los años 30 y 40 doce películas de Tarzán, murió a causa de una insuficiencia renal.

El fallecimiento se produjo el pasado 24 de diciembre, según informa esa fundación en su página web, donde ha puesto a disposición de los fans un apartado para dedicarle un último adiós.

Jiggs, nombre original del chimpancé nacido en Liberia el 9 de abril de 1932, en realidad era macho, aunque se lo conocía como la "mona Chita".

Chita participó, entre otras, en las películas “Tarzán the Ape Man” (Tarzán de los Monos) en 1932 y “Tarzán and his Mate” (Tarzán y su compañera) en 1934, filmes clásicos que relatan las aventuras de un hombre criado en la selva, protagonizados por Johnny Weissmuller y Maureen O'Sullivan.

El acompañante de Tarzán, que tuvo cerca de una decena de chimpancés que lo sustituyeron en rodajes de secuencias de la saga, recibió en 2006 un homenaje y el premio Calabuch por sus méritos artísticos en el Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola.

El chimpancé, que llegó al refugio de animales en 1960, amaba pintar con sus dedos y mirar football, y se calmaba escuchando música cristiana, dijo al diario Tampa Tribune Debbie Cobb, director del Santuary Suncoast Primate.

Ron Priest, un voluntario que trabaja en el refugio dijo al Tribune que Chita se destacaba porque podía pararse con la espalda erguida, como un humano, además de tener otros talentos.

Chita no sólo debe su fama a las películas, sino a que figura en el Libro Guiness de los Récords como el simio más longevo del mundo.

Edith Head, la mujer que vistió a Hollywood

En Hollywood, su nombre es legendario. Edith Head, jefa de vestuario de los estudios Paramount y luego de Universal, creó el vestuario de 1131 films a lo largo de su carrera, que se extendió de 1927 hasta su muerte, en 1981, pocos días antes de su 84º cumpleaños.

Todas las más grandes estrellas lucieron sus creaciones de Bette Davis y Gloria Swanson a Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn y su favorita, Grace Kelly, para quien diseñó el vestido de novia con el que se convirtió en princesa. Head recibió 35 nominaciones al Oscar y lo ganó ocho veces, un record jamás igualado.

Desde los años diez los incipientes estudios comienzan a contratar profesionales especializados para los distintos departamentos artísticos, entre ellos, el de vestuario. Al surgir el “star system” una década después, las desde entonces denominadas “estrellas” se convierten en el sello de glamour y sofisticación que el público demandaba. Todo ello requería, por supuesto, que los departamentos en los que trabajaba un inmenso despliegue de profesionales, diseñadores, maquilladores, fotógrafos...tomaran mayor cuidado en potenciar y mimar el “look” de sus estrellas.

Howard Greer, jefe del departamento de arte de la Paramount, contrata en 1923 a Head para dibujar los bocetos del vestuario propuesto para cada nuevo proyecto del estudio. Con ellos trabajaba un diseñador al que Head admiraba profundamente, Travis Banton. Este se haría cargo del departamento cuando Greer deja el estudio en 1927 y tomará a Edith Head como asistente. Banton, de gran talento, diseñaría algunos de los vestidos más celebrados de Carole Lombard o Marlene Dietrich de quién potencia para la pantalla su famoso “estilo masculino”.

Head comienza creando el vestuario de los actores secundarios en las películas de pequeño presupuesto del estudio, pero su magnífico trabajo y dedicación le hicieron tomar mayor responsabilidad y en poco tiempo alguna de las grandes estrellas de los años veinte como Clara Bow o Mae West vestían sus diseños en la pantalla.

Uno de los primeros éxitos de Head fueron sus creaciones para Dorothy Lamour en The Jungle Princess (Wilhelm Thiele, 1936). Cuando en 1938 Banton abandona su puesto en la Paramount, Head, que contaba ya con una enorme experiencia, le sustituye al frente del departamento de vestuario. A partir de esta fecha su carrera es muy intensa. Paramount se estructuraba en sesenta departamentos especializados lo que puede dar idea de la envergadura y complejidad en la infraestructura de uno de los grandes estudios de esta época y de su enorme producción anual. Los títulos de su filmografía serán innumerables ya que aparte de diseñar, supervisaba el trabajo de todo su departamento.

Dos de sus más destacados trabajos fueron vestir a Bette Davis en Eva al desnudo (Mankiewicz, 1950)  y a Gloria Swanson como estrella retirada del cine mudo en El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, Billy Wilder, 1950). Este último vestuario fue gratificante para Head. Colaboró mano a mano con la propia Swanson para darle forma externa al personaje de Norma Desmond.

Sus diseños para Elizabeth Taylor marcaron moda. La actriz durante los años cincuenta estaba en su época de esplendor. Para Un lugar en el sol (George Stevens 1951) o La senda de los elefantes (William Dieterle, 1954) Head crea un vestuario muy apropiado para resaltar la belleza de la actriz. Trajes muy entallados en la cintura con amplias faldas, muy femeninos y que dulcificaban el físico más bien rotundo de Taylor. También vistió a la delicada Audrey Hepburn de Vacaciones en Roma (William Wyler, 1953) y a una sobria Marlene Dietrich en Testigo de cargo (Billy Wilder, 1957). Dos actrices que han marcado tendencias muy personales en la moda.

Quizás habría que detenerse especialmente en el trabajo que Head realizó para Hitchcock. Se encargó del vestuario de muchas de las películas del director aunque algunas de ellas merecen destacarse; La ventana indiscreta (1954), Atrapa un ladrón (1955) y especialmente, Vertigo (1958). En todas ellas, no sólo se destaca el indiscutible talento de Head sino que pocas veces en el cine el vestuario se convierte en parte fundamental de la narración.

En 1967, al atravesar Paramount una época de profundos cambios, Head entra a formar parte del equipo de la Universal en donde se encarga de la dirección del departamento de diseño. A partir de esta fecha su trabajo baja en intensidad aunque no en calidad. Merece destacarse sobre todo su magnífico trabajo para El golpe (George Roy Hill, 1973).

Los diseños de Edith Head fueron sinónimo en Hollywood de elegancia y glamour. Aseguraba que el vestuario debía servir por encima de todo para ayudar a la historia y a los personajes. Sin duda no podemos separar la imagen de algunos actores y actrices de los diseños de esta excepcional mujer, pues sus creaciones traspasaron la pantalla e influyeron de forma determinante en la moda de su época. Su talento, creatividad y su larga e intensa carrera han sido únicos en la historia del cine.

Dijo Miss Temple...

"Dejé de creer en Santa Claus cuando mi madre me llevó a verlo en unos grandes almacenes y él me pidió un autógrafo"

Shirley Temple, "Esa Niña Prodigio"